“Continuación de la semana anterior”
Durante la década de los noventa, Kamen Rider se mantuvo invisible, tan solo la productora Tokio Movies Shinsha, creo una película llamada Kamen Rider Shin, una especie de mezcla entre “The Hulk” y “Especie Mortal”, un ser que se salía por completo de la estética de lo que era un Rider, ya que mas bien parecía un alienígena; finalmente Shotaro Ishinomori decidió presentar Kamen Rider a Toho, la competencia de Toei, sin embargo, tampoco supieron tratar correctamente la serie con dos películas de venta en VHS llamadas Kamen Rider ZO y Kamen Rider J, las cuales fueron un fracaso, finalmente Ishinomori decidió dar carpetazo al asunto y decidió dedicarse al manga; tristemente Shotaro Ishinomori falleció de un infarto cardiaco el 28 de Enero de 1998; al mismo tiempo después de su muerte, Toei se hizo con los derechos de Kamen Rider, Toei volvía a obtener una buena solvencia económica buena para ponerse a trabajar en Kamen Rider nuevamente, sin embargo el estilo cambiaria mucho, para empezar la historia no giraría en torno al mismo grupo de personas, y también se acabaron los Crossovers, cada historia se mantendría independiente de la anterior, rompiendo por completo el estilo de Ishinomori; y no solo eso, también sacarían varios Riders dependiendo de la historia; llegando incluso a crearse unos 13 Riders en una sola serie y además, pondrían una muletilla que seria probablemente la peor blasfemia dentro de la obra de Ichimonji, los Riders desconfiarían unos de otros e incluso se atacarían, craso error pues los Kamen Riders deben pelear contra el mal y no entre ellos.
KAMEN RIDER KYUGA
Primera serie de esta nueva saga de Kamen Riders; esta vez tiene que ver con la arqueología; la historia comienza con un grupo de arqueólogos los cuales encuentran una tumba donde encuentran a un hombre momificado con el cinturón de un Kamen Rider, sin embargo, el equipo de arqueólogos son asesinados por un grupo criminal conocido como “Nº 0 No Identificado”, solo queda un superviviente, el joven Yuusuke Godai, el cual se refugia con el cinturón en una iglesia, de pronto los agentes de “Nº 0”, asaltan la iglesia y le prenden fuego, entonces, en medio de la desesperación se produce el milagro y el cinturón de Godai se activa transformándolo en Kamen Rider Kyuga; esta primera serie resulto un empujón muy fuerte ya que la venta del merchandising, los jóvenes que recién se enganchaban a la serie y los nostálgicos de las antiguas se formaron en un crisol que genero dinero en grandes cantidades.
KAMEN RIDER AGITO
Este segundo Kamen Rider volvería a tener a 3 riders como protagonistas, solo que esta vez no estarían tan unidos; la historia comienza con un hombre que solo recuerda su nombre y no sabe que hace ahí, todo lo que sabe es que ante la presencia del crimen y del ataque de una hermandad sobrenatural llamada Unknown, se convierte en Kamen Rider Agito, el gobierno de Japón decide sacar su propio Kamen Rider ante la amenaza de Unknown, el robotico Kamen Rider G3, y finalmente aparece el tercer Kamen Rider, Kamen Rider GILLS, estos tres nuevos Riders no pueden confiar unos de otros, Agito tiene una memoria que vuelve a el con cuentagotas mostrándole visiones confusas del pasado, G3 también tiene sus oscuros secretos de porque es un Kamen Rider “patrocinado por el estado” y finalmente GILLS el cual esta buscando la razón por la cual su padre se suicido, tramas y mas tramas que se cruzan y se entrecruzan en un tapiz donde priman la teoría de la conspiración en toda regla y en general un ambiente de misterio que deja a Expediente – X en mantillas.
KAMEN RIDER RYUKI
Probablemente la serie mas hostil de todas; aunque si obtuvo mucho dinero, no obtuvo demasiados elogios; la historia comienza con gente que es apresada por el Mundo Espejo por terribles monstruos; un joven periodista Shinji Kidou esta recabando información sobre el tema, y en la casa donde se notifico la primera desaparición encuentra una Vent Card, esta Vent Card sirve para transformarse en un Kamen Rider y solo si se refleja en un espejo, Shinji entonces se ve transportado al Reino del Espejo donde conoce a otro Rider, Ren Akiyama, también conocido como Kamen Rider Black Knight, un hombre arisco y siempre de aspecto sombrío, este le indica que aparte de su Vent Card y la de él, hay 11 Vent Cards mas pertenecientes a otros once Kamen Riders y que deben pelear entre ellos, ya que solo puede quedar uno; Shinji toma la decisión de intentar detener la que muchos llaman “La Guerra de los Riders” y procurar que los Riders no luchen entre ellos si no contra los monstruos del Mundo Espejo, aunque las cosas no son lo que parecen, esta serie es también otra que posee una Kamen Rider mujer (Kamen Rider Swan) con un uniforme francamente bonito e interesante.
KAMEN RIDER FAIZ
Serie mucho menos agresiva que su predecesora, comienza con el plan de la Corporación Smart Brain que quiere conquistar el mundo utilizando unas criaturas conocidas como los Orphenochs, en ese instante aparece Takumi Inui, el cual puede utilizar su Faiz Gear para convertirse en Kamen Rider Faiz y luchar contra Smart Brain; también hay Orphenochs que se alían con Faiz, y mas tarde aparecen otros dos Kamen Riders, Kaixa y Delta, los cuales pelean contra la siniestra corporación; como se puede comprobar, mucho menos bélica que Ryuki y mucho menos conspiranoica que Agito.
KAMEN RIDER BLADE
Hace más de 10.000 años, los humanos expulsaron del mundo a unos seres conocidos como los Undeads, ahora han regresado con la intención de vengarse, solo una organización conocida como BOARD entrega el sistema Masked As a cuatro jóvenes los cuales se convierten en los Kamen Riders. Blade, Diamond, Garren y Clover (los cuatro ases de la Baraja Francesa), la historia aunque sigue siendo de índole pacifico y los roces entre riders son los mínimos, si le plantean a Blade la duda de renunciar a su humanidad para salvar a sus amigos, o si no, la Tierra entera se convertirá en un erial de muerte y desesperación.
KAMEN RIDER HIBIKI
Con toda seguridad, la mejor serie de Riders (al menos desde mi punto de vista) vista hasta el momento, la más original y también la mas bonita por así decirlo, inspirada en la música, la historia nos relata la historia de un Rider (Hibiki) que al parecer apareció en el Japón Feudal para pelear contra los Makai, (si nos ponemos frikis totales, podemos decir que ese fue el primer Kamen Rider que existió sobre la faz de la tierra); en la actualidad, los Makai han regresado y el descendiente de Hibiki debe volver a luchar contra ellos, al mismo tiempo, un joven muchacho llamado Adachi el cual conoce a Hibiki y su lucha contra los Makai; a partir de aquí la historia se convierte en una aventura de maestro – discípulo, donde al final Adachi también termina por convertirse en un Rider.
KAMEN RIDER KABUTO
Quizás la serie mas orientada al merchandising que las anteriores; la historia comienza con la aparición de los Worms, una raza de alienigenas que pretende invadir la tierra; solo unas entidades conocidas como Zecter eligen a un grupo de gente para convertirse en Kamen Riders para pelear contra los Worm; sin embargo, los Kabuto Zecter son muy susceptibles a los espíritus humanos, y si se demuestra que uno de ellos no es especialmente bondadoso o comprometido con la lucha de los Worm los Kabuto Zect lo abandonan y buscan a otro humano que cumpla mejor su cometido.
KAMEN RIDER DEN-O
Ultima serie de Kamen Rider hasta el momento; en ella, un viajero en el tiempo Ryotaro Nogami utiliza la maquina Rider Pass para viajar de una época a otra de Japón para evitar que los monstruos cambien el pasado para alterar el presente y el futuro; en este punto, en lugar de utilizar varios Riders, deciden utilizar un sistema para que el mismo Rider pueda obtener distintos poderes y así también distintos uniformes de Kamen Rider, (lo que sea por no contratar a mas actores).
Y así es como siguiendo con el mismo esquema que el Súper Sentai y con Ultraman, Kamen Rider se ha convertido así en el tercer referente acerca de las series de superhéroes con actores en imagen real que existen en Japón, Kamen Rider seguirá produciendo o bien hasta que los guionistas se queden sin ideas o bien hasta que la serie deje de ser rentable.
La próxima entrada hablare un poco de “Superhéroes en el cine”, un recorrido por los mejores y nefastos exitos en la gran pantalla de los heroes del Comic-Book.
miércoles, 3 de octubre de 2007
jueves, 13 de septiembre de 2007
KAMEN RIDER EL HEROE DE JAPON
En el comic americano, hemos visto miles de series de héroes que se enfrentaban a todo tipo de peligros y aventuras, Superman, Batman, Spiderman y así un largo etc., incluso en Europa existió su propio superhéroe, actualmente en paradero desconocido conocido como Miracleman; en Japón desde la reactivación económica del país en los años 60 se tuvo constancia de que había mucho potencial en cuanto a la capacidad de crear sus propios héroes, tanto de comic, como de animación como en imagen real; ya empieza a ser famoso el conocido Ultraman, y por otra parte ya durante la década de los años 60 ya habían surgido varios héroes para la televisión tales como Shonen Jet, Ninja Butai Gekko o Kamen Ninja Akagi entre otros, sin embargo, Shotaro Ishinomori, conocido por ser el creador del héroe robotico Kikaida y el Manga Cyborg 999, presenta ante Toei la historia de un héroe conocido como Skullman, el hombre de la mascara de calavera, sin embargo, la serie no llego a convencer a los altos ejecutivos de Toei, por lo que el trabajo fue descartado; de nuevo a principios de los 70 Ishinomori volvió a rehacer el personaje por completo, dándole un aire menos oscuro; supuestamente su hijo eligió para la mascara del héroe el rostro de un saltamontes, volvió a presentar el proyecto revistado, y esta vez si le dieron el visto bueno a la serie, que se convertiría junto con Ultraman, y con el Súper Sentai en su tercera joya de la corona
KAMEN RIDER (Que posteriormente paso a llamarse Kamen Rider 1)
La historia comienza con un estudiante de Química llamado Takeshi Hongo el cual siempre va en moto a todos lados y tiene una vida sencilla, hasta que una organización terrorista de extrema derecha (pero de extrema derecha de verdad, que solo les falta cantar el “Cara al sol”), conocida como Shocker lo captura para convertirlo en un asesino cibernético, sin embargo, Takeshi escapa y utilizando los poderes otorgados por sus captores decide convertirse en Kamen Rider y luchar contra Shocker y sus agentes. La serie, que iba bien y estaba cosechando buenas criticas y mucha audiencia sufrió un revés muy serio cuando el actor que interpretaba a Takeshi Hongo, Hiroshi Fujioka, se lesiono las dos rodillas durante el rodaje de tal forma que tuvo que pasar por quirófano y también a guardar reposo, Ishinomori decidió crear un plan de choque y crear un segundo Kamen Rider, creado por Shocker para destruir al Kamen Rider original, solo que gracias a los esfuerzos del Kamen Rider original, consigue cambiar de bando, así la otra mitad de la serie el protagonista seria Hayato Ichimonji, también conocido como Kamen Rider 2; este segundo Kamen Rider llego a destruir la organización Shocker, sin embargo, su lider escapa en un Jet privado y vuelve a reconstituir Shocker bajo el nombre Gel-Shocker, en este punto, Kamen Rider 1 regresa de su convalecencia dispuesto a seguir la lucha, finalmente tanto Kamen Rider 1 como Kamen Rider 2 destruyen a Gel-Shocker definitivamente y a su lider.
El tremendo éxito de la serie, le dio pie a Ishinomori de crear una nueva serie de Kamen Rider con un nuevo Rider, y nuevos enemigos.
KAMEN RIDER V3 (Versión 3)
La historia comienza con un joven muchacho llamado Shiro Kazami, que presencia como un grupo terrorista llamado Destron mata a un hombre y persigue a una muchacha, Shiro salva a la muchacha y se esconde con ella en casa de sus padres, en ese momento, un agente de Destron aparece y mata a la familia de Shiro, solo es salvado in extremis por Kamen Rider 1 que mata al agente, Shiro le pide a Takeshi que lo convierta a el en un Kamen Rider, sin embargo, este se niega, ya que los Kamen Riders solo luchan por la justicia, no por la venganza; entonces deciden volver a reunirse Kamen Rider 1 y 2 para asaltar la base de Destron, sin embargo, caen en una trampa y son capturados, solo Shiro logra entrar y rescatar a ambos Kamen Riders, sin embargo, Shiro es herido de muerte por los agentes de Destron, que durante la huida empiezan a tirar con metralleta, los dos Riders deciden salvarle la vida a Shiro y lo convierten en un nuevo Kamen Rider, durante los siguientes capítulos, Kamen Rider V3, es adiestrado y entrenado por los Kamen Riders 1 y 3, sin embargo, tanto Kamen Rider 1 como Kamen Rider 2 mueren en una explosión preparada por un monstruo de Destron, dejando a V3 solo ante el peligro, esto hace que la serie siga una tónica relacionada con la inexperiencia y la falta de entrenamiento por parte de V3 el cual cada combate le cuesta sangre, sudor y lagrimas ganar; tras esto, aparece Riderman, otro Kamen Rider que en un principio es leal a Destron, sin embargo se convierte en aliado de V3, al final de la serie, Riderman y V3 logran entrar en la base y V3 se encuentra que el lider de Destron es el Dios de la Muerte (con guadaña incluida) tras un difícil combate Kamen Rider V3 logra derrotar al siniestro ente y finalmente devolver la paz al mundo.
KAMEN RIDER X
La historia comienza con la aparición de una organización llamada GOD (Goverment Of Darkness) el cual roba al ingeniero robotico Keitaro Jin todas sus investigaciones y todos los avances en este campo y dejando malherido a su hijo, su padre decide convertirlo en Kamen Rider X gracias a un proyecto que tenia escondido, finalmente, un nuevo Kamen Rider aparece en escena y la hermandad GOD es derrotada; esta serie ya tenia algunos guiños que se seguirían repitiendo en el resto de la serie, como cuando la armadura de X necesitaba reenergetizarse, X aparecía con un nuevo traje y que cada vez que se transformaba, X pronunciaba la palabra “Setup!!”, que luego aparecería como “Henshin!!” en series mas modernas, aunque esta serie no fue un gran éxito, si lo tuvo la película que sacaron, “Five Riders vs. King Dark”, donde no solo volvían a aparecer Kamen Rider V3 y Riderman, si no también Kamen Rider 1 y 2 que vuelven para ayudar a X a derrotar al King Dark.
KAMEN RIDER AMAZON
Un grupo de indígenas de Amazonas recogen a un niño superviviente de un avión destrozado y lo crían como si fuese suyo, Daisuke Yamamoto, es pues, un Mowgli moderno que vive en la jungla amazónica con una tribu que es su familia adoptiva, sin embargo esta existencia se torna pesadilla cuando un demonio llamado Gorgos aparece y monta una carnicería en el poblado buscando los legendarios Brazaletes Gigi, el cual esta dispuesto a recuperar; Gorgos pertenece al temido Imperio Zero el cual busca los Brazaletes que son artefactos místicos de gran poder, el chaman de la tribu, único superviviente le da los brazaletes a Daisuke el cual se convierte en Kamen Rider Amazon, esta serie fue duramente criticada pues era demasiado violenta ya que habían decapitaciones, mutilaciones y corría la sangre a chorros, también fue una serie atípica en el sentido de que era el primer Kamen Rider en no ser cibernético, si no mas bien algo místico y también en no ser un insecto, si no mas bien un lagarto o incluso un camaleón según opinan algunos.
KAMEN RIDER STRONGER
Llamado también Kamen Rider Superman, fue creada para conmemorar 5 años de Kamen Rider; un joven, Shigeru Jou se une a un grupo de asesinos llamado Black Satán, el cual trabaja para un poder mayor, Jou se somete a una operación y se convierte en Kamen Rider Stronger, pero al enterarse que su amigo fue asesinado por Black Satan, entonces Stronger les traiciona y decide huir para luchar contra Black Satan, los cientificos de Black Satan deciden entonces secuestrar a una chica y convertirla en Denpa Nigen Tackle convirtiéndose así en la primera mujer en llevar el uniforme de una Kamen Rider (aunque este la verdad es que el uniforme daba un poco de vergüenza ajena), al final, logran derrotar a Black Satan, pero su lider huye y entonces Kamen Rider se da cuenta que el poder que estaba detrás de Black Satan es el Ejercito Delza compuesto por los restos de Shocker y Gel-Shocker, Destron, el GOD y el Imperio Zero; tras varias luchas y la muerte de Tackle a manos de un monstruo de Delza, hace que su armadura acceda al nuevo sistema de combate y su frase a la hora de transformarse sea “Charge up!!” haciéndolo mas poderoso; finalmente el Ejercito Delza es destruido por una combinación de todos los Riders.
SKYRIDER
La organización terrorista de ultraderecha conocida como Shocker y Gel-Shocker vuelve a aparecer con el nombre de Neo-Shocker, y proseguir con sus malvados planes de conquista, solo un nuevo Rider, Skyrider se convierte en el azote de Neo-Shocker, mas tarde aparece Kamen Rider Stronger para unirse a Skyrider y pelear contra Neo-Shocker, finalmente, todos los Kamen Riders hacen acto de presencia para destruir definitivamente Neo-Shocker, y aunque lo consiguen, aparentemente se les da por muertos tras la explosión de la base de Neo-Shocker.
KAMEN RIDER SUPER-1
Kazuya Oki es un joven que se ha ofrecido voluntario para hacer un experimento para crear un ser capaz de poder sobrevivir en el espacio, para eso deciden dotarle de un armamento robotico, le otorgan a su cuerpo una serie de artefactos especiales y también le dan un nombre clave, Súper-1, sin embargo, tras un vuelo de pruebas, la base es atacada por un grupo de asesinos de la secta religiosa Jin Dogma la cual mata a los cientificos, Kazuya decide utilizar su nuevo cuerpo cibernético y sus nuevas armas para pelear contra Jin Dogma; es la segunda serie donde el protagonista no recibe ayudas por parte de otros Riders (la primera es Kamen Rider Amazon).
KAMEN RIDER BLACK
Esta es probablemente la serie de Kamen Rider de planteamiento mucho mas adulto que las otras, la historia trata de dos niños secuestrados por una entidad llamada Gormoz durante un eclipse, ambos niños están destinados a convertirse en los nuevos heraldos del terrorífico “Milenio de Gormoz”,al representar las dos partes del eclipse solar, “Black Sun” y “Shadow Moon”, sin embargo Black Sun logra escapar de la influencia del malvado Dios y decide detener su malvado avance como Kamen Rider Black, sin embargo su hermanastro se convierte en Kamen Rider Shadow y decide convertirse en la Némesis de Kamen Rider Black, la serie se ve salpicada por las dudas de Black hacia su hermanastro, y la muerte en masa de muchos secundarios (de echo en todos los capítulos siempre moria alguien) , finalmente Kamen Rider Black tiene que hacer de tripas corazón y destruir a su hermanastro de una vez y para siempre, el cual se había convertido en el mismísimo avatar de Gormoz
KAMEN RIDER BLACK RX
Secuela directa de la anterior saga, RX utilizaba buena parte del reparto de Kamen Rider Black; la historia comienza cuando Kamen Rider Black es abducido por unos agentes alienigenas del Imperio Crisis, los cuales le invitan a Black que se una a ellos para la conquista de la Galaxia; Black se niega y por eso, Jaaku, mariscal del Imperio Crisis rompe su armadura y lo arroja al espacio, sin embargo, la radiación solar regenera su armadura confiriéndole un nuevo uniforme (RX) y nuevos poderes para luchar contra el Imperio Crisis, esta serie tendría como colofón la película “Los 10 Riders”, donde Shadow Moon, el hermanastro de Kamen Rider Black (ahora RX) resucita para cobrar su venganza; en ese momento reaparecen, Kamen Rider 1, Kamen Rider 2, V3, Riderman, X, Amazon, Stronger, Skyrider, Súper-1 y Kamen Rider Black RX para destruir a su malvado hermano; esta película fue muy aclamada por los fans, ya que por fin se sabia que fue realmente de los Riders que desaparecieron cuando la fortaleza de Neo-Shocker voló en pedazos y además, Shadow Moon volvería a tener su revancha contra su hermano; sin embargo, lo que nadie sabia realmente era que esa película tenia otros movimientos dentro del espectro financiero de Toei Producctions
En 1989 (época donde se realiza la serie de RX) Toei atraviesa su peor momento a nivel económico, necesitan imperiosamente recuperar dinero, por eso, deciden quitarse de encima Kamen Rider, ya que Ultraman era intocable y el Súper Sentai producía muchos ingresos y era mucho mas popular entre los niños, por lo que contra los deseos de Shotaro Ishinomori, se clausuro la serie de Kamen Rider; ya nunca mas volverían a hacer mas series de Kamen Rider, y en el concierto de año nuevo en Japón los cantantes que participaron les dedicaron una calida despedida con una canción, el momento de mucha emoción fue cuando todos los Riders aparecieron en el escenario y el publico les dedico una cerrada ovación, esta, según palabras de mucha gente, era realmente el fin del héroe que portaba una mascara de insecto y que luchaba contra la injusticia en el mundo.
¿Continuara?....
KAMEN RIDER (Que posteriormente paso a llamarse Kamen Rider 1)
La historia comienza con un estudiante de Química llamado Takeshi Hongo el cual siempre va en moto a todos lados y tiene una vida sencilla, hasta que una organización terrorista de extrema derecha (pero de extrema derecha de verdad, que solo les falta cantar el “Cara al sol”), conocida como Shocker lo captura para convertirlo en un asesino cibernético, sin embargo, Takeshi escapa y utilizando los poderes otorgados por sus captores decide convertirse en Kamen Rider y luchar contra Shocker y sus agentes. La serie, que iba bien y estaba cosechando buenas criticas y mucha audiencia sufrió un revés muy serio cuando el actor que interpretaba a Takeshi Hongo, Hiroshi Fujioka, se lesiono las dos rodillas durante el rodaje de tal forma que tuvo que pasar por quirófano y también a guardar reposo, Ishinomori decidió crear un plan de choque y crear un segundo Kamen Rider, creado por Shocker para destruir al Kamen Rider original, solo que gracias a los esfuerzos del Kamen Rider original, consigue cambiar de bando, así la otra mitad de la serie el protagonista seria Hayato Ichimonji, también conocido como Kamen Rider 2; este segundo Kamen Rider llego a destruir la organización Shocker, sin embargo, su lider escapa en un Jet privado y vuelve a reconstituir Shocker bajo el nombre Gel-Shocker, en este punto, Kamen Rider 1 regresa de su convalecencia dispuesto a seguir la lucha, finalmente tanto Kamen Rider 1 como Kamen Rider 2 destruyen a Gel-Shocker definitivamente y a su lider.
El tremendo éxito de la serie, le dio pie a Ishinomori de crear una nueva serie de Kamen Rider con un nuevo Rider, y nuevos enemigos.
KAMEN RIDER V3 (Versión 3)
La historia comienza con un joven muchacho llamado Shiro Kazami, que presencia como un grupo terrorista llamado Destron mata a un hombre y persigue a una muchacha, Shiro salva a la muchacha y se esconde con ella en casa de sus padres, en ese momento, un agente de Destron aparece y mata a la familia de Shiro, solo es salvado in extremis por Kamen Rider 1 que mata al agente, Shiro le pide a Takeshi que lo convierta a el en un Kamen Rider, sin embargo, este se niega, ya que los Kamen Riders solo luchan por la justicia, no por la venganza; entonces deciden volver a reunirse Kamen Rider 1 y 2 para asaltar la base de Destron, sin embargo, caen en una trampa y son capturados, solo Shiro logra entrar y rescatar a ambos Kamen Riders, sin embargo, Shiro es herido de muerte por los agentes de Destron, que durante la huida empiezan a tirar con metralleta, los dos Riders deciden salvarle la vida a Shiro y lo convierten en un nuevo Kamen Rider, durante los siguientes capítulos, Kamen Rider V3, es adiestrado y entrenado por los Kamen Riders 1 y 3, sin embargo, tanto Kamen Rider 1 como Kamen Rider 2 mueren en una explosión preparada por un monstruo de Destron, dejando a V3 solo ante el peligro, esto hace que la serie siga una tónica relacionada con la inexperiencia y la falta de entrenamiento por parte de V3 el cual cada combate le cuesta sangre, sudor y lagrimas ganar; tras esto, aparece Riderman, otro Kamen Rider que en un principio es leal a Destron, sin embargo se convierte en aliado de V3, al final de la serie, Riderman y V3 logran entrar en la base y V3 se encuentra que el lider de Destron es el Dios de la Muerte (con guadaña incluida) tras un difícil combate Kamen Rider V3 logra derrotar al siniestro ente y finalmente devolver la paz al mundo.
KAMEN RIDER X
La historia comienza con la aparición de una organización llamada GOD (Goverment Of Darkness) el cual roba al ingeniero robotico Keitaro Jin todas sus investigaciones y todos los avances en este campo y dejando malherido a su hijo, su padre decide convertirlo en Kamen Rider X gracias a un proyecto que tenia escondido, finalmente, un nuevo Kamen Rider aparece en escena y la hermandad GOD es derrotada; esta serie ya tenia algunos guiños que se seguirían repitiendo en el resto de la serie, como cuando la armadura de X necesitaba reenergetizarse, X aparecía con un nuevo traje y que cada vez que se transformaba, X pronunciaba la palabra “Setup!!”, que luego aparecería como “Henshin!!” en series mas modernas, aunque esta serie no fue un gran éxito, si lo tuvo la película que sacaron, “Five Riders vs. King Dark”, donde no solo volvían a aparecer Kamen Rider V3 y Riderman, si no también Kamen Rider 1 y 2 que vuelven para ayudar a X a derrotar al King Dark.
KAMEN RIDER AMAZON
Un grupo de indígenas de Amazonas recogen a un niño superviviente de un avión destrozado y lo crían como si fuese suyo, Daisuke Yamamoto, es pues, un Mowgli moderno que vive en la jungla amazónica con una tribu que es su familia adoptiva, sin embargo esta existencia se torna pesadilla cuando un demonio llamado Gorgos aparece y monta una carnicería en el poblado buscando los legendarios Brazaletes Gigi, el cual esta dispuesto a recuperar; Gorgos pertenece al temido Imperio Zero el cual busca los Brazaletes que son artefactos místicos de gran poder, el chaman de la tribu, único superviviente le da los brazaletes a Daisuke el cual se convierte en Kamen Rider Amazon, esta serie fue duramente criticada pues era demasiado violenta ya que habían decapitaciones, mutilaciones y corría la sangre a chorros, también fue una serie atípica en el sentido de que era el primer Kamen Rider en no ser cibernético, si no mas bien algo místico y también en no ser un insecto, si no mas bien un lagarto o incluso un camaleón según opinan algunos.
KAMEN RIDER STRONGER
Llamado también Kamen Rider Superman, fue creada para conmemorar 5 años de Kamen Rider; un joven, Shigeru Jou se une a un grupo de asesinos llamado Black Satán, el cual trabaja para un poder mayor, Jou se somete a una operación y se convierte en Kamen Rider Stronger, pero al enterarse que su amigo fue asesinado por Black Satan, entonces Stronger les traiciona y decide huir para luchar contra Black Satan, los cientificos de Black Satan deciden entonces secuestrar a una chica y convertirla en Denpa Nigen Tackle convirtiéndose así en la primera mujer en llevar el uniforme de una Kamen Rider (aunque este la verdad es que el uniforme daba un poco de vergüenza ajena), al final, logran derrotar a Black Satan, pero su lider huye y entonces Kamen Rider se da cuenta que el poder que estaba detrás de Black Satan es el Ejercito Delza compuesto por los restos de Shocker y Gel-Shocker, Destron, el GOD y el Imperio Zero; tras varias luchas y la muerte de Tackle a manos de un monstruo de Delza, hace que su armadura acceda al nuevo sistema de combate y su frase a la hora de transformarse sea “Charge up!!” haciéndolo mas poderoso; finalmente el Ejercito Delza es destruido por una combinación de todos los Riders.
SKYRIDER
La organización terrorista de ultraderecha conocida como Shocker y Gel-Shocker vuelve a aparecer con el nombre de Neo-Shocker, y proseguir con sus malvados planes de conquista, solo un nuevo Rider, Skyrider se convierte en el azote de Neo-Shocker, mas tarde aparece Kamen Rider Stronger para unirse a Skyrider y pelear contra Neo-Shocker, finalmente, todos los Kamen Riders hacen acto de presencia para destruir definitivamente Neo-Shocker, y aunque lo consiguen, aparentemente se les da por muertos tras la explosión de la base de Neo-Shocker.
KAMEN RIDER SUPER-1
Kazuya Oki es un joven que se ha ofrecido voluntario para hacer un experimento para crear un ser capaz de poder sobrevivir en el espacio, para eso deciden dotarle de un armamento robotico, le otorgan a su cuerpo una serie de artefactos especiales y también le dan un nombre clave, Súper-1, sin embargo, tras un vuelo de pruebas, la base es atacada por un grupo de asesinos de la secta religiosa Jin Dogma la cual mata a los cientificos, Kazuya decide utilizar su nuevo cuerpo cibernético y sus nuevas armas para pelear contra Jin Dogma; es la segunda serie donde el protagonista no recibe ayudas por parte de otros Riders (la primera es Kamen Rider Amazon).
KAMEN RIDER BLACK
Esta es probablemente la serie de Kamen Rider de planteamiento mucho mas adulto que las otras, la historia trata de dos niños secuestrados por una entidad llamada Gormoz durante un eclipse, ambos niños están destinados a convertirse en los nuevos heraldos del terrorífico “Milenio de Gormoz”,al representar las dos partes del eclipse solar, “Black Sun” y “Shadow Moon”, sin embargo Black Sun logra escapar de la influencia del malvado Dios y decide detener su malvado avance como Kamen Rider Black, sin embargo su hermanastro se convierte en Kamen Rider Shadow y decide convertirse en la Némesis de Kamen Rider Black, la serie se ve salpicada por las dudas de Black hacia su hermanastro, y la muerte en masa de muchos secundarios (de echo en todos los capítulos siempre moria alguien) , finalmente Kamen Rider Black tiene que hacer de tripas corazón y destruir a su hermanastro de una vez y para siempre, el cual se había convertido en el mismísimo avatar de Gormoz
KAMEN RIDER BLACK RX
Secuela directa de la anterior saga, RX utilizaba buena parte del reparto de Kamen Rider Black; la historia comienza cuando Kamen Rider Black es abducido por unos agentes alienigenas del Imperio Crisis, los cuales le invitan a Black que se una a ellos para la conquista de la Galaxia; Black se niega y por eso, Jaaku, mariscal del Imperio Crisis rompe su armadura y lo arroja al espacio, sin embargo, la radiación solar regenera su armadura confiriéndole un nuevo uniforme (RX) y nuevos poderes para luchar contra el Imperio Crisis, esta serie tendría como colofón la película “Los 10 Riders”, donde Shadow Moon, el hermanastro de Kamen Rider Black (ahora RX) resucita para cobrar su venganza; en ese momento reaparecen, Kamen Rider 1, Kamen Rider 2, V3, Riderman, X, Amazon, Stronger, Skyrider, Súper-1 y Kamen Rider Black RX para destruir a su malvado hermano; esta película fue muy aclamada por los fans, ya que por fin se sabia que fue realmente de los Riders que desaparecieron cuando la fortaleza de Neo-Shocker voló en pedazos y además, Shadow Moon volvería a tener su revancha contra su hermano; sin embargo, lo que nadie sabia realmente era que esa película tenia otros movimientos dentro del espectro financiero de Toei Producctions
En 1989 (época donde se realiza la serie de RX) Toei atraviesa su peor momento a nivel económico, necesitan imperiosamente recuperar dinero, por eso, deciden quitarse de encima Kamen Rider, ya que Ultraman era intocable y el Súper Sentai producía muchos ingresos y era mucho mas popular entre los niños, por lo que contra los deseos de Shotaro Ishinomori, se clausuro la serie de Kamen Rider; ya nunca mas volverían a hacer mas series de Kamen Rider, y en el concierto de año nuevo en Japón los cantantes que participaron les dedicaron una calida despedida con una canción, el momento de mucha emoción fue cuando todos los Riders aparecieron en el escenario y el publico les dedico una cerrada ovación, esta, según palabras de mucha gente, era realmente el fin del héroe que portaba una mascara de insecto y que luchaba contra la injusticia en el mundo.
¿Continuara?....
miércoles, 5 de septiembre de 2007
Hoy me gustaría hablar de un asunto que trajo de cabeza a la opinión del manga y el anime, estamos hablando de la época dorada del Manga y el Anime en España, y de cómo una revista estuvo a punto de cargarse todo esto con solo un chasqueo de dedos y la mala fe de colaboradores poco profesionales y de una cara dura que no os la podéis ni imaginar; estoy hablando de la revista Kabuki de la editorial Glenat; pero para comprender la importancia de las revistas de Manga y Anime, también hay que entender la historia del Manga y el Anime en España y sus inicios:
GENESIS
La historia del Anime en España es una historia tan antigua como la propia Transición Española, corría el año 1975, en pleno resquebrajamiento del aparato franquista y Paquito muy malo en el hospital, aparece ante la mirada atónita de los niños españoles en RTVE, la serie Mazinger Z del genio-loco Go Nagai, que anteriormente tuvo un gran éxito en la televisión mexicana y que ahora venia a España con la misma idea en mente de triunfar en España como triunfo en las tierras aztecas; sin embargo hubo mucha gente que protesto porque había demasiada violencia en cada capitulo y porque además uno de los malos ,“el Barón Asura” era un personaje de genero sexual confuso (recordemos que el Barón Asura era mitad hombre y mitad mujer y que además, en el doblaje japonés como en el hispano, era doblado simultáneamente por un hombre y una mujer al mismo tiempo), y si además tenemos en cuenta la terrible antipatía que tenia Franco a todo lo que viniese de Japón, le sirvió perfectamente al franquismo para quitarse de encima la serie del robot gigante que lanzaba los puños y que disparaba rayos por los ojos; con la desintegración del franquismo y con la instauración de una democracia, se volvió a intentar la introducción de series extranjeras en nuestro país, entre ellas, Comando G (Gattchaman) y otros, en los años 80 se aposto fuerte por las series de un joven dibujante que mas tarde se convertiría en el jefe ejecutivo del Estudio Ghibli, creador y dibujante de historias muy humanas y queridas y toda una eminencia dentro de la industria tanto en Japón como en el resto del mundo; estamos hablando de Hayao Miyazaki y sus tres primeras obras que creo para la televisión: “Ruiz, el Pequeño Cid Campeador”, “Heidi” y “Marco”, los cuales hicieron las delicias de los enanos de aquella época; mas tarde, con la aparición de las televisiones autonómicas, en Tele Madrid, sacaron los sábados por la mañana un ciclo de películas de animación Japonesa entre las películas que destacan:
“El Lago de los Cisnes”, “La Bruja Azul”, “Voltes V” (otra de robots), “El Buque Fantasma” y “Baldios” (otra mas de robots gigantes), estas películas, aunque no llegaron a tener un gran peso entre la gente, si llegaron a significar algo entre la generación mas joven que algo estaba cambiando en los gustos de mucha gente.
LA ERA DRAGON BALL
Es imposible hablar de la llegada del Manga y el anime si no hablamos de Dragon Ball; aunque algún tiempo antes, llegaron animes antes de la serie de Toriyama, series como Oliver & Benji o Caballeros del Zodiaco llenaban los hogares, y no solo esos, la aparición tímida del Tokusatsu (series de superhéroes nipones en imagen real) en España con series como Bioman (Chojuu Sentai Liveman), Turboranger (Kosoku Sentai Turboranger), y los héroes mecánicos, Jiban y Winspector fue un caldo de cultivo para la introducción de la cultura Japonesa en España pero sin demasiado éxito; sin embargo, en la Televisión Catalana apareció una serie totalmente rocambolesca y extraña llamada Dr. Slump de la mano de un hombre que pronto se haría muy famoso en todo el mundo, Akira Toriyama, el cual llego a darse a conocer por lo que seria su filón de oro personal; Dragon Ball; Dragon Ball, al contrario que su hermano recién destronado de Caballeros del Zodiaco, era una serie divertida, tenia acción a raudales, tenia momentos de misterio, momentos de humor y así un largo etcétera, (a pesar que en sus ultimas temporadas termino anquilosándose bastante) esta serie revoluciono la forma de ver la animación, no solo de una forma menos inocente totalmente alejado de las series completamente esclerotizadas y desconectadas de la realidad de la animación americana o española, si no que mostraba un diseño y dibujo espectacular, que resaltaba a la vista, y que no dejaba indiferente a nadie; sin embargo, la contracorriente llego de manos de mucha gente, desde asociaciones de padres conservadores, hasta curas de derechas que emprendieron una ridícula cruzada contra el anime por ser “violento y con escenas sexualmente explicitas”; esta cruzada y sin ningún método de contraataque eficaz por parte de los aficionados, hizo que rápidamente muchas televisiones dejándose llevar por el pánico y por la desinformación retirasen de sus parrillas de programación muchas series de animación japonesa, Dragon Ball fue uno de los mas castigados y perseguidos mas incluso que Caballeros del Zodiaco, incluso en un periódico se publico una reseña sensacionalista, que rozaba el amarillismo periodístico advirtiendo de los peligros y de la amenaza que escondían esas imágenes; durante largo tiempo, todo lo que fuese “Japonés” y llevase al lado la palabra “animación” era vetado en la televisión; pero como bien sabréis, en el hinduismo existe una cosa llamada “Deuda Karmika” que quiere decir que lo que hagas se te devolverá por triplicado, pues algo así sucedió.
ERA ATTITUDE
Los que entienden de wrestling comprenderán el guiño, he puesto este titulo a modo de homenaje y espero que la gente lo entienda; en verano de 1992 la revista de videojuegos Hobby Consolas publica un generoso y muy amplio reportaje acerca de los videojuegos de Japón y la gran relación intrínseca con la animación japonesa y no solo con la animación, si no también con los comics que allí se publicaban, pronto aprendimos palabras como “manga”, “anime” u “otaku” que se nos quedaron ampliamente grabadas en nuestras mentes; lo que nadie sabia en realidad era el movimiento habían hecho a espaldas de todo dios, Hobby Consolas, sacando incorporado un folleto acompañando a la revista anunciando una gran cantidad de videos de largometrajes de animación japonés, justo en plena época donde los largometrajes de animación eran dedicados a un publico mucho mas adulto y eran de contenido mas “oscuro” de lo que podemos imaginar, y efectivamente, desde las visiones extrañas en “Akira” hasta los regueros de sangre en “El Puño de la Estrella del Norte” y de "3X3 Ojos", pasando por los monstruos tentaculados de “Urotsukidoji” y las mutilaciones de “Devilman”, este chaparrón de videos sacados por la marca de video “Manga”, hicieron que mucha gente se llevase las manos a la cabeza y que muchos otros se frotasen las manos con una mezcla de regocijo y temor ante esta avalancha de videos de fuerte contenido; muchos ya comenzaron a mostrarse duros y comenzaban a poner calificativos ridículos al Manga como “violencia sinsentido” o “violencia nazi”, el cual empezaba a sacar tímidas colecciones por Planeta de Agostini como Dragon Quest y Dragon Ball, en 1993 da comienzo el primer Salón del Manga y la Animación Japonesa en Barcelona, un pequeño rincón en la Estación Norte de la Ciudad Condal, acompañado de una extraña mascota llamada Makako (un bicho súper cutre donde los haya) y así fue como comenzó todo, colecciones empezaban a asomar tímidamente, entre ellas Orión, Dominion Tank, Horobi, Guyver, Baoh y muchos otros comenzaban a aparecer en kioscos y librerías especializadas ante la mirada incrédula de muchos que pensaban que no se volvería a ver nada mas de los dibujos japoneses de ojos enormes y boca pequeña después de todo el ruido que armaron a finales de los 80 y principio de los 90, ahora ven como sus esfuerzos se han convertido en polvo debido al movimiento de los jóvenes cansados de ver las pijadas típicas de Disney o series de animación española que era todo el rato repitiendo los mismos frames una y otra vez, además, como muestra del interés por el manga y el anime, las dos editoriales Norma y Planeta sacan sus correspondientes revistas con gran cantidad de información de series de Japón, llamadas Kame de Planeta de Agostini y también sacaron otra serie llamada Neko de Norma Editorial, y por ultimo Glenat saco su propia revista, llamada Kabuki.
KABUKI, la revista que nunca fue.
La Revista Kabuki se presento con un estilo muy tímido, paginas pequeñas, fotos e ilustraciones en blanco y negro y papel de mala calidad; pero aun así planteaban un estilo amplio de información general del manga y el anime y además de cultura japonesa (todavía recuerdo un artículo dedicado al juego similar al dominó llamado Mah-Hong), y además, dedicaron una pequeña sección de cuatro paginas dedicada al hentai o manga erótico, por aquel entonces un gran desconocido ya que tan solo pudimos ver Angel y Visionary del mediocre U-Jin; mas tarde pensaron en hacer un numero especial acerca del Manga Erótico, movimiento muy arriesgado; pero a Glenat le pareció acertado por lo que dieron el primer paso; sin embargo, este primer paso llego a ser muy complejo y no se tomaron las medidas ni se recopilo el material necesario y que pronto le costaría muy caro a Glenat; poco después de esta aventura erótico-festiva, parece que a los de la redacción se les hincho el ego de mala manera y empezaron a saturar la revista con miles de fotos no solo de hentai, si no de porno asiático a espuertas (y para colmo no japonés si no Taiwanes, Vietnamita o Filipino), artículos y artículos que rozan la mediocridad e incluso a veces el mal gusto como películas gore de Asia e incluso comentaban cosas sin venir a cuento como una vez que intentaron ligar con unas turistas asiáticas menores de edad en una discoteca, hasta llegar a extremos donde llegaba un punto donde se llegaba a denigrar el manga y el anime hasta extremos insoportables, recordemos un articulo donde el trabajo de Masakazu Katsura fue vejado por los redactores; las quejas fueron en aumento en parte de los aficionados, los cuales escribieron cartas a la editorial de la revista quejándose y exigiendo un cambio en la editorial y directiva, estas quejas eran respondidas a su vez por un/una tal Akemi Pérez (jamás se supo quien era en realidad o quien es aunque se rumorea que es uno de los del circulo de amigos de Lázaro Muñoz, ahí dejo eso) que respondía con insultos y descalificaciones diciendo a los aficionados que éramos unos incomprendidos y unos aislados sin vida social y cosas por el estilo; llego un punto donde ni siquiera ponían una portada de Manga y Anime para dar el pego, ponían imágenes de películas de Jhon Woo o de Takeshi Kitano, todo este clima de indignación llego hasta el salón del Comic de Barcelona de 1998 donde un grupo de exaltados que nunca se supo quienes fueron, asaltaron el stand de Glenat secuestrando todos los ejemplares de Kabuki y rompiéndolos delante del stand de dicha compañía ante los ojos de todo el mundo, esta acción aunque no tuvieron consecuencias para nadie, los encapuchados se dieron a la fuga y desaparecieron y fueron aclamados como héroes, y a Glenat se le cayo la venda que tenia en los ojos al ver el desastre que se había armado; esto hizo que Glenat se plantease muy seriamente un cambio en la dirección que estaba llevando la revista, y así se hizo, pero sin demasiado éxito y el daño quedo hecho.
LAS VICTIMAS DE KABUKI
El Director y el Editor de la revista quedaron seriamente perjudicados, el tal Akemi Pérez abandono ese seudónimo y actualmente esta en paradero desconocido, con Kabuki se decidió hacer un número especial para conciliar “a las masas”, con portada a color y una imagen de Goku jugando a una videoconsola; pero de poco sirvió, y Kabuki cerro a cal y canto y dejo el mercado de Neko y Kame libre para repartirse solitos el pastel, aunque de poco les sirvió ya que pronto empezó la invasión de las Revistas con CD incorporado, y después la nada en el vacío cósmico ya que este tipo de revistas dejaron de tener importancia en cuanto Internet se hizo mucho mas asequible para el ciudadano medio.
Glenat se convirtió en una editorial al margen de los gigantes de Norma Editorial y de Planeta, aunque durante toda la década de los años 90 se hizo patente la escasez de productos de la marca Glenat, en la actualidad Glenat ha escalado y ha recuperado la confianza de los aficionados gracias a multitud de series muy interesantes que van sacando; en la actualidad el panorama del Manga y el Anime en Japón es aceptado con mucho mas margen y mucha mas aceptación en todo el territorio Español, se celebran concentraciones en toda España, siendo las mas importantes, Barcelona y las del territorio Andaluz y en general la cultura japonesa en general y el anime y el manga en particular recibe un tratamiento menos agresivo y mucho mas razonablemente.
El próximo día, hablare de un icono en el Japón, un icono si igual, hablamos en el pasado de Zé do Caixao, ahora en Japón hablaremos de Kamen Rider, el guerrero con mascara de insecto; buenas noches y buena suerte.
GENESIS
La historia del Anime en España es una historia tan antigua como la propia Transición Española, corría el año 1975, en pleno resquebrajamiento del aparato franquista y Paquito muy malo en el hospital, aparece ante la mirada atónita de los niños españoles en RTVE, la serie Mazinger Z del genio-loco Go Nagai, que anteriormente tuvo un gran éxito en la televisión mexicana y que ahora venia a España con la misma idea en mente de triunfar en España como triunfo en las tierras aztecas; sin embargo hubo mucha gente que protesto porque había demasiada violencia en cada capitulo y porque además uno de los malos ,“el Barón Asura” era un personaje de genero sexual confuso (recordemos que el Barón Asura era mitad hombre y mitad mujer y que además, en el doblaje japonés como en el hispano, era doblado simultáneamente por un hombre y una mujer al mismo tiempo), y si además tenemos en cuenta la terrible antipatía que tenia Franco a todo lo que viniese de Japón, le sirvió perfectamente al franquismo para quitarse de encima la serie del robot gigante que lanzaba los puños y que disparaba rayos por los ojos; con la desintegración del franquismo y con la instauración de una democracia, se volvió a intentar la introducción de series extranjeras en nuestro país, entre ellas, Comando G (Gattchaman) y otros, en los años 80 se aposto fuerte por las series de un joven dibujante que mas tarde se convertiría en el jefe ejecutivo del Estudio Ghibli, creador y dibujante de historias muy humanas y queridas y toda una eminencia dentro de la industria tanto en Japón como en el resto del mundo; estamos hablando de Hayao Miyazaki y sus tres primeras obras que creo para la televisión: “Ruiz, el Pequeño Cid Campeador”, “Heidi” y “Marco”, los cuales hicieron las delicias de los enanos de aquella época; mas tarde, con la aparición de las televisiones autonómicas, en Tele Madrid, sacaron los sábados por la mañana un ciclo de películas de animación Japonesa entre las películas que destacan:
“El Lago de los Cisnes”, “La Bruja Azul”, “Voltes V” (otra de robots), “El Buque Fantasma” y “Baldios” (otra mas de robots gigantes), estas películas, aunque no llegaron a tener un gran peso entre la gente, si llegaron a significar algo entre la generación mas joven que algo estaba cambiando en los gustos de mucha gente.
LA ERA DRAGON BALL
Es imposible hablar de la llegada del Manga y el anime si no hablamos de Dragon Ball; aunque algún tiempo antes, llegaron animes antes de la serie de Toriyama, series como Oliver & Benji o Caballeros del Zodiaco llenaban los hogares, y no solo esos, la aparición tímida del Tokusatsu (series de superhéroes nipones en imagen real) en España con series como Bioman (Chojuu Sentai Liveman), Turboranger (Kosoku Sentai Turboranger), y los héroes mecánicos, Jiban y Winspector fue un caldo de cultivo para la introducción de la cultura Japonesa en España pero sin demasiado éxito; sin embargo, en la Televisión Catalana apareció una serie totalmente rocambolesca y extraña llamada Dr. Slump de la mano de un hombre que pronto se haría muy famoso en todo el mundo, Akira Toriyama, el cual llego a darse a conocer por lo que seria su filón de oro personal; Dragon Ball; Dragon Ball, al contrario que su hermano recién destronado de Caballeros del Zodiaco, era una serie divertida, tenia acción a raudales, tenia momentos de misterio, momentos de humor y así un largo etcétera, (a pesar que en sus ultimas temporadas termino anquilosándose bastante) esta serie revoluciono la forma de ver la animación, no solo de una forma menos inocente totalmente alejado de las series completamente esclerotizadas y desconectadas de la realidad de la animación americana o española, si no que mostraba un diseño y dibujo espectacular, que resaltaba a la vista, y que no dejaba indiferente a nadie; sin embargo, la contracorriente llego de manos de mucha gente, desde asociaciones de padres conservadores, hasta curas de derechas que emprendieron una ridícula cruzada contra el anime por ser “violento y con escenas sexualmente explicitas”; esta cruzada y sin ningún método de contraataque eficaz por parte de los aficionados, hizo que rápidamente muchas televisiones dejándose llevar por el pánico y por la desinformación retirasen de sus parrillas de programación muchas series de animación japonesa, Dragon Ball fue uno de los mas castigados y perseguidos mas incluso que Caballeros del Zodiaco, incluso en un periódico se publico una reseña sensacionalista, que rozaba el amarillismo periodístico advirtiendo de los peligros y de la amenaza que escondían esas imágenes; durante largo tiempo, todo lo que fuese “Japonés” y llevase al lado la palabra “animación” era vetado en la televisión; pero como bien sabréis, en el hinduismo existe una cosa llamada “Deuda Karmika” que quiere decir que lo que hagas se te devolverá por triplicado, pues algo así sucedió.
ERA ATTITUDE
Los que entienden de wrestling comprenderán el guiño, he puesto este titulo a modo de homenaje y espero que la gente lo entienda; en verano de 1992 la revista de videojuegos Hobby Consolas publica un generoso y muy amplio reportaje acerca de los videojuegos de Japón y la gran relación intrínseca con la animación japonesa y no solo con la animación, si no también con los comics que allí se publicaban, pronto aprendimos palabras como “manga”, “anime” u “otaku” que se nos quedaron ampliamente grabadas en nuestras mentes; lo que nadie sabia en realidad era el movimiento habían hecho a espaldas de todo dios, Hobby Consolas, sacando incorporado un folleto acompañando a la revista anunciando una gran cantidad de videos de largometrajes de animación japonés, justo en plena época donde los largometrajes de animación eran dedicados a un publico mucho mas adulto y eran de contenido mas “oscuro” de lo que podemos imaginar, y efectivamente, desde las visiones extrañas en “Akira” hasta los regueros de sangre en “El Puño de la Estrella del Norte” y de "3X3 Ojos", pasando por los monstruos tentaculados de “Urotsukidoji” y las mutilaciones de “Devilman”, este chaparrón de videos sacados por la marca de video “Manga”, hicieron que mucha gente se llevase las manos a la cabeza y que muchos otros se frotasen las manos con una mezcla de regocijo y temor ante esta avalancha de videos de fuerte contenido; muchos ya comenzaron a mostrarse duros y comenzaban a poner calificativos ridículos al Manga como “violencia sinsentido” o “violencia nazi”, el cual empezaba a sacar tímidas colecciones por Planeta de Agostini como Dragon Quest y Dragon Ball, en 1993 da comienzo el primer Salón del Manga y la Animación Japonesa en Barcelona, un pequeño rincón en la Estación Norte de la Ciudad Condal, acompañado de una extraña mascota llamada Makako (un bicho súper cutre donde los haya) y así fue como comenzó todo, colecciones empezaban a asomar tímidamente, entre ellas Orión, Dominion Tank, Horobi, Guyver, Baoh y muchos otros comenzaban a aparecer en kioscos y librerías especializadas ante la mirada incrédula de muchos que pensaban que no se volvería a ver nada mas de los dibujos japoneses de ojos enormes y boca pequeña después de todo el ruido que armaron a finales de los 80 y principio de los 90, ahora ven como sus esfuerzos se han convertido en polvo debido al movimiento de los jóvenes cansados de ver las pijadas típicas de Disney o series de animación española que era todo el rato repitiendo los mismos frames una y otra vez, además, como muestra del interés por el manga y el anime, las dos editoriales Norma y Planeta sacan sus correspondientes revistas con gran cantidad de información de series de Japón, llamadas Kame de Planeta de Agostini y también sacaron otra serie llamada Neko de Norma Editorial, y por ultimo Glenat saco su propia revista, llamada Kabuki.
KABUKI, la revista que nunca fue.
La Revista Kabuki se presento con un estilo muy tímido, paginas pequeñas, fotos e ilustraciones en blanco y negro y papel de mala calidad; pero aun así planteaban un estilo amplio de información general del manga y el anime y además de cultura japonesa (todavía recuerdo un artículo dedicado al juego similar al dominó llamado Mah-Hong), y además, dedicaron una pequeña sección de cuatro paginas dedicada al hentai o manga erótico, por aquel entonces un gran desconocido ya que tan solo pudimos ver Angel y Visionary del mediocre U-Jin; mas tarde pensaron en hacer un numero especial acerca del Manga Erótico, movimiento muy arriesgado; pero a Glenat le pareció acertado por lo que dieron el primer paso; sin embargo, este primer paso llego a ser muy complejo y no se tomaron las medidas ni se recopilo el material necesario y que pronto le costaría muy caro a Glenat; poco después de esta aventura erótico-festiva, parece que a los de la redacción se les hincho el ego de mala manera y empezaron a saturar la revista con miles de fotos no solo de hentai, si no de porno asiático a espuertas (y para colmo no japonés si no Taiwanes, Vietnamita o Filipino), artículos y artículos que rozan la mediocridad e incluso a veces el mal gusto como películas gore de Asia e incluso comentaban cosas sin venir a cuento como una vez que intentaron ligar con unas turistas asiáticas menores de edad en una discoteca, hasta llegar a extremos donde llegaba un punto donde se llegaba a denigrar el manga y el anime hasta extremos insoportables, recordemos un articulo donde el trabajo de Masakazu Katsura fue vejado por los redactores; las quejas fueron en aumento en parte de los aficionados, los cuales escribieron cartas a la editorial de la revista quejándose y exigiendo un cambio en la editorial y directiva, estas quejas eran respondidas a su vez por un/una tal Akemi Pérez (jamás se supo quien era en realidad o quien es aunque se rumorea que es uno de los del circulo de amigos de Lázaro Muñoz, ahí dejo eso) que respondía con insultos y descalificaciones diciendo a los aficionados que éramos unos incomprendidos y unos aislados sin vida social y cosas por el estilo; llego un punto donde ni siquiera ponían una portada de Manga y Anime para dar el pego, ponían imágenes de películas de Jhon Woo o de Takeshi Kitano, todo este clima de indignación llego hasta el salón del Comic de Barcelona de 1998 donde un grupo de exaltados que nunca se supo quienes fueron, asaltaron el stand de Glenat secuestrando todos los ejemplares de Kabuki y rompiéndolos delante del stand de dicha compañía ante los ojos de todo el mundo, esta acción aunque no tuvieron consecuencias para nadie, los encapuchados se dieron a la fuga y desaparecieron y fueron aclamados como héroes, y a Glenat se le cayo la venda que tenia en los ojos al ver el desastre que se había armado; esto hizo que Glenat se plantease muy seriamente un cambio en la dirección que estaba llevando la revista, y así se hizo, pero sin demasiado éxito y el daño quedo hecho.
LAS VICTIMAS DE KABUKI
El Director y el Editor de la revista quedaron seriamente perjudicados, el tal Akemi Pérez abandono ese seudónimo y actualmente esta en paradero desconocido, con Kabuki se decidió hacer un número especial para conciliar “a las masas”, con portada a color y una imagen de Goku jugando a una videoconsola; pero de poco sirvió, y Kabuki cerro a cal y canto y dejo el mercado de Neko y Kame libre para repartirse solitos el pastel, aunque de poco les sirvió ya que pronto empezó la invasión de las Revistas con CD incorporado, y después la nada en el vacío cósmico ya que este tipo de revistas dejaron de tener importancia en cuanto Internet se hizo mucho mas asequible para el ciudadano medio.
Glenat se convirtió en una editorial al margen de los gigantes de Norma Editorial y de Planeta, aunque durante toda la década de los años 90 se hizo patente la escasez de productos de la marca Glenat, en la actualidad Glenat ha escalado y ha recuperado la confianza de los aficionados gracias a multitud de series muy interesantes que van sacando; en la actualidad el panorama del Manga y el Anime en Japón es aceptado con mucho mas margen y mucha mas aceptación en todo el territorio Español, se celebran concentraciones en toda España, siendo las mas importantes, Barcelona y las del territorio Andaluz y en general la cultura japonesa en general y el anime y el manga en particular recibe un tratamiento menos agresivo y mucho mas razonablemente.
El próximo día, hablare de un icono en el Japón, un icono si igual, hablamos en el pasado de Zé do Caixao, ahora en Japón hablaremos de Kamen Rider, el guerrero con mascara de insecto; buenas noches y buena suerte.
miércoles, 22 de agosto de 2007
AD&D, el suelo cede bajo sus pies.
PREFACIO Y DISCULPAS
Hoy supuestamente tenia que hablar acerca de una revista y contar como se degradó hasta extremos insospechados, pero algo me ha hecho cambiar la entrada de esta semana, he visto una noticia que me ha llenado de indignación; por lo que he decidido cambiar la programación de hoy para rendir homenaje al gran padre de los JDR, y condenar a los que lo han convertido en una maquina esclerotizada y gris de hacer dinero.
Antes de nada hagamos un poco de historia; ¿de donde viene Dungeons & Dragons?
Corría el año 1978 por aquella época se llevaba a cabo unas jornadas sobre juegos de figuritas (el primerizo Warhammer Fantasy, el Axis vs. Allies y el Imperial eran de los mas conocidos); un joven universitario llamado Gary Gigax hace una tímida presentación de lo que seria un juego de figuritas llamado Chainmail, aunque este juego no barrio en el sentido de la palabra, le dio a Gigax pie para crear a partir de ese juego de mesa que se jugaría sin figuras y que llevaría el nombre de Dungeons & Dragons (Dragones y Mazmorras), ese fue el primer juego de rol donde los jugadores interpretaban a los personajes fantásticos que se enfrentaban a todo tipo de amenazas y corrían todo tipo de peligros; este juego se presento en el Gen Con 1978 con una caja de color blanco que contenía 3 libros, llamados, Héroes y Magia, Monstruos y Peligros y Equipo y Tesoro; también incluía plantillas para fichas de personajes y unos dados hechos de aglomerado plástico que se partían si se lanzaban con demasiada fuerza sobre la mesa; poco a poco, este juego empezó a hacerse famoso y poco a poco este juego comenzaba a ganar adeptos que quedaban después de clase o durante el verano para poder jugar a Dungeons & Dragons; aunque el sistema aun era muy simple y no se daban demasiadas opciones a la hora de armamento o de razas (Sin ir mas lejos no existía el combate con dos armas), el sistema era muy permisivo, y podía hacer cambios sobre lo que ya estaba escrito, además, el éxito de Dungeons & Dragons saco una reedición en un solo libro llamado Manual del Jugador y un primer mundo de ambientación llamado Greyhawk, donde los héroes se las tendrían que ver y desear con diversos peligros y la incursión de nuevos monstruos, incluyendo a Tharizdun y a Orcus, este ultimo finalmente murió en una de las primeras macro campañas creadas por Gigax conocida como “Las Cavernas de Tjocant”, la aparición de esta campaña en un cuaderno de 50 paginas y su posterior comercialización, le dio a Gary la potestad de crear la editorial TSR, y esto le dio pie para sacar nuevas aventuras para jugar como la infame “Tumba de los horrores”, “El Templo del mal elemental”, y la “Cúpula de los Drow”; la primera aventura donde los Elfos Oscuros conocidos como los Drow eran presentados como una raza maligna; la década de los años 70 termina con la aparición del proyecto mas ambicioso de Gigax, la introducción al mercado grande de toda una gama de productos, tales como puzzles, muñecos de plástico, un juego de tablero y diversos enseres, entre ellos el proyecto a gran escala de Dungeons; una serie de novelas que hablarían acerca de un mundo nuevo de Dungeons & Dragons, seria conocido como Krynn y que llevaría por bandera un antiguo conflicto con los dragones, el proyecto es conocido como Dragonlance y los encargados de llevar a cabo la gran empresa serian Margaret Weiss y Traci Hickman; y al poco tiempo surgió la primera trilogía, Crónicas de Dragonlance, que seguiría con la segunda trilogía, Leyendas de Dragonlance y mas tarde Aventuras de Dragonlance; los años 80 representan la era dorada de los JDR, diversas empresas viendo en los juegos de rol una notable fuente de ingresos deciden dar pie a la creación de una gran cantidad de juegos, entre ellos, Warhammer Fantasy, Stormbringer basado en la obra maestra de Michael Moorcock “Elric de Melnibone”, y la salida en JDR del éxito cinematográfico Star Wars; TSR decide contraatacar sacando al mercado la 2ª Edición de Dungeons & Dragons llamada Advanced Dungeons & Dragons (AD&D para ahorrar espacio), que lanzaría a la palestra con la continuación “Retorno al Templo del Mal Elemental” y la salida de los libros de Dragonlance, además de la aparición de dos nuevos mundos dentro de Dungeons, Blacksun y Reinos Olvidados, este ultimo se convertiría en uno de los reinos mas dinámicos dentro de AD&D llegando a superar a los mundos anteriormente mencionados, aunque TSR seguía ofreciendo la posibilidad de que los jugadores diesen pie a la creación de sus propios mundos gracias a la gran cantidad de opciones de magia, razas y monstruos; esto resulto una tónica durante casi mas de 10 años, sin embargo, a principios de la década de los 90, AD&D y el mundo de los Juegos de Rol entra en decadencia, por un lado en España los JDR caen en desgracia por culpa de sucesos violentos vinculados de alguna manera al Rol gracias a la manipulación de los medios de comunicación; por otro lado, el encarecimiento de la vida y de los productos hace que comprar los manuales se haga mas difícil; para colmo, en 1994 una pequeña empresa llamada Wizards of the Coast saca al mercado un juego de cartas llamado Magic the Gathering, lo cual hizo que la industria del rol se tambalease desde los cimientos, haciendo que muchas colecciones cerrasen a cal y canto, y que TSR comenzase a entrar en números rojos, y así hasta finales de los años 90, en 1999 Wizards of the Coast, es absorbida por la empresa juguetera Matel, ahora conocida como Hasbro, y esta a su vez absorbe TSR, ante el increíble subidón de popularidad que por aquel entonces una prometedora compañía de juegos de rol conocida como White Wolf con su exitoso “Vampiro la Mascarada”, Wizards decide ponerse manos a la obra con la creación de un nuevo sistema para AD&D, el llamado D20, con ello sacaron los tres primeros manuales, entre los que se cuentan:
“Manual del Jugador”, “Manual del Dungeon Master” y “Manual de Monstruos”, y frente a todo pronostico, sacan a la palestra Reinos Olvidados como mundo alternativo donde empezar a jugar, además, Hasbro hacia publico el sistema D20 en un sistema “libre” que podía utilizar y modificar cualquier otra empresa para sus propios juegos, así surgieron grandes éxitos como “Ojos Grandes”, “Reinos de Hierro” y “Juego de Tronos” pero también hubieron grandes fracasos como “Sword & Sorcery” y “Los Reinos de Kalamar”, además para reforzar el estilo único de AD&D, sacaron D20 Moderno, para jugar en partidas de un mundo de Rol lejos de espadas, magia y castillos; la tercera edición de Dungeons iba bien, tenia una afluencia buena de jugadores, compradores y demás, sin embargo, este año 2007 anuncian la llegada de la 4ª Edición ¡¿Por qué?!, tan solo han pasado 8 años y ya nos bombardean con la 4ª Edición cuando resulta que aun hay cosas de la 3ª Edición que aun no se han publicado todas las cosas que se deberían haber publicado, ahora le han dado un toque “fashion” a la 4ª Edición en plan: “Ahora los niñatos pijos de Beverly Hills juegan a AD&D”, que los manuales vendrán en DVD con un montón de pijadas como editores, generador de tiradas y otras cosas; todo por tal de convertir un hobby que durante años ha atraído a mucha gente en una maquina gris e inerte de hacer dinero; no me meteré en los tecnicismos de que quieren o que no quieren cambiar, lo que si quiero decir y que deseo expresar, es mi total y absoluta repulsa por la reciente salida de esta 4ª Edición, y desde aquí digo, que todo el que me quiera oír, que haga un boicot a los productos de la 4ª Edición, para que Wizards of the Coast se de cuenta que el mismo afán de hacer dinero que se hizo que White Wolf se cayese a pedazos, puede suceder con el abuelo de los JDR, aun espero que Wizards recapacite sobre lo que esta haciendo y no la cague mas de lo que la esta cagando.
Terminada esta reivindicación, se volverá al programa establecido, buenas noches y buena suerte.
Hoy supuestamente tenia que hablar acerca de una revista y contar como se degradó hasta extremos insospechados, pero algo me ha hecho cambiar la entrada de esta semana, he visto una noticia que me ha llenado de indignación; por lo que he decidido cambiar la programación de hoy para rendir homenaje al gran padre de los JDR, y condenar a los que lo han convertido en una maquina esclerotizada y gris de hacer dinero.
Antes de nada hagamos un poco de historia; ¿de donde viene Dungeons & Dragons?
Corría el año 1978 por aquella época se llevaba a cabo unas jornadas sobre juegos de figuritas (el primerizo Warhammer Fantasy, el Axis vs. Allies y el Imperial eran de los mas conocidos); un joven universitario llamado Gary Gigax hace una tímida presentación de lo que seria un juego de figuritas llamado Chainmail, aunque este juego no barrio en el sentido de la palabra, le dio a Gigax pie para crear a partir de ese juego de mesa que se jugaría sin figuras y que llevaría el nombre de Dungeons & Dragons (Dragones y Mazmorras), ese fue el primer juego de rol donde los jugadores interpretaban a los personajes fantásticos que se enfrentaban a todo tipo de amenazas y corrían todo tipo de peligros; este juego se presento en el Gen Con 1978 con una caja de color blanco que contenía 3 libros, llamados, Héroes y Magia, Monstruos y Peligros y Equipo y Tesoro; también incluía plantillas para fichas de personajes y unos dados hechos de aglomerado plástico que se partían si se lanzaban con demasiada fuerza sobre la mesa; poco a poco, este juego empezó a hacerse famoso y poco a poco este juego comenzaba a ganar adeptos que quedaban después de clase o durante el verano para poder jugar a Dungeons & Dragons; aunque el sistema aun era muy simple y no se daban demasiadas opciones a la hora de armamento o de razas (Sin ir mas lejos no existía el combate con dos armas), el sistema era muy permisivo, y podía hacer cambios sobre lo que ya estaba escrito, además, el éxito de Dungeons & Dragons saco una reedición en un solo libro llamado Manual del Jugador y un primer mundo de ambientación llamado Greyhawk, donde los héroes se las tendrían que ver y desear con diversos peligros y la incursión de nuevos monstruos, incluyendo a Tharizdun y a Orcus, este ultimo finalmente murió en una de las primeras macro campañas creadas por Gigax conocida como “Las Cavernas de Tjocant”, la aparición de esta campaña en un cuaderno de 50 paginas y su posterior comercialización, le dio a Gary la potestad de crear la editorial TSR, y esto le dio pie para sacar nuevas aventuras para jugar como la infame “Tumba de los horrores”, “El Templo del mal elemental”, y la “Cúpula de los Drow”; la primera aventura donde los Elfos Oscuros conocidos como los Drow eran presentados como una raza maligna; la década de los años 70 termina con la aparición del proyecto mas ambicioso de Gigax, la introducción al mercado grande de toda una gama de productos, tales como puzzles, muñecos de plástico, un juego de tablero y diversos enseres, entre ellos el proyecto a gran escala de Dungeons; una serie de novelas que hablarían acerca de un mundo nuevo de Dungeons & Dragons, seria conocido como Krynn y que llevaría por bandera un antiguo conflicto con los dragones, el proyecto es conocido como Dragonlance y los encargados de llevar a cabo la gran empresa serian Margaret Weiss y Traci Hickman; y al poco tiempo surgió la primera trilogía, Crónicas de Dragonlance, que seguiría con la segunda trilogía, Leyendas de Dragonlance y mas tarde Aventuras de Dragonlance; los años 80 representan la era dorada de los JDR, diversas empresas viendo en los juegos de rol una notable fuente de ingresos deciden dar pie a la creación de una gran cantidad de juegos, entre ellos, Warhammer Fantasy, Stormbringer basado en la obra maestra de Michael Moorcock “Elric de Melnibone”, y la salida en JDR del éxito cinematográfico Star Wars; TSR decide contraatacar sacando al mercado la 2ª Edición de Dungeons & Dragons llamada Advanced Dungeons & Dragons (AD&D para ahorrar espacio), que lanzaría a la palestra con la continuación “Retorno al Templo del Mal Elemental” y la salida de los libros de Dragonlance, además de la aparición de dos nuevos mundos dentro de Dungeons, Blacksun y Reinos Olvidados, este ultimo se convertiría en uno de los reinos mas dinámicos dentro de AD&D llegando a superar a los mundos anteriormente mencionados, aunque TSR seguía ofreciendo la posibilidad de que los jugadores diesen pie a la creación de sus propios mundos gracias a la gran cantidad de opciones de magia, razas y monstruos; esto resulto una tónica durante casi mas de 10 años, sin embargo, a principios de la década de los 90, AD&D y el mundo de los Juegos de Rol entra en decadencia, por un lado en España los JDR caen en desgracia por culpa de sucesos violentos vinculados de alguna manera al Rol gracias a la manipulación de los medios de comunicación; por otro lado, el encarecimiento de la vida y de los productos hace que comprar los manuales se haga mas difícil; para colmo, en 1994 una pequeña empresa llamada Wizards of the Coast saca al mercado un juego de cartas llamado Magic the Gathering, lo cual hizo que la industria del rol se tambalease desde los cimientos, haciendo que muchas colecciones cerrasen a cal y canto, y que TSR comenzase a entrar en números rojos, y así hasta finales de los años 90, en 1999 Wizards of the Coast, es absorbida por la empresa juguetera Matel, ahora conocida como Hasbro, y esta a su vez absorbe TSR, ante el increíble subidón de popularidad que por aquel entonces una prometedora compañía de juegos de rol conocida como White Wolf con su exitoso “Vampiro la Mascarada”, Wizards decide ponerse manos a la obra con la creación de un nuevo sistema para AD&D, el llamado D20, con ello sacaron los tres primeros manuales, entre los que se cuentan:
“Manual del Jugador”, “Manual del Dungeon Master” y “Manual de Monstruos”, y frente a todo pronostico, sacan a la palestra Reinos Olvidados como mundo alternativo donde empezar a jugar, además, Hasbro hacia publico el sistema D20 en un sistema “libre” que podía utilizar y modificar cualquier otra empresa para sus propios juegos, así surgieron grandes éxitos como “Ojos Grandes”, “Reinos de Hierro” y “Juego de Tronos” pero también hubieron grandes fracasos como “Sword & Sorcery” y “Los Reinos de Kalamar”, además para reforzar el estilo único de AD&D, sacaron D20 Moderno, para jugar en partidas de un mundo de Rol lejos de espadas, magia y castillos; la tercera edición de Dungeons iba bien, tenia una afluencia buena de jugadores, compradores y demás, sin embargo, este año 2007 anuncian la llegada de la 4ª Edición ¡¿Por qué?!, tan solo han pasado 8 años y ya nos bombardean con la 4ª Edición cuando resulta que aun hay cosas de la 3ª Edición que aun no se han publicado todas las cosas que se deberían haber publicado, ahora le han dado un toque “fashion” a la 4ª Edición en plan: “Ahora los niñatos pijos de Beverly Hills juegan a AD&D”, que los manuales vendrán en DVD con un montón de pijadas como editores, generador de tiradas y otras cosas; todo por tal de convertir un hobby que durante años ha atraído a mucha gente en una maquina gris e inerte de hacer dinero; no me meteré en los tecnicismos de que quieren o que no quieren cambiar, lo que si quiero decir y que deseo expresar, es mi total y absoluta repulsa por la reciente salida de esta 4ª Edición, y desde aquí digo, que todo el que me quiera oír, que haga un boicot a los productos de la 4ª Edición, para que Wizards of the Coast se de cuenta que el mismo afán de hacer dinero que se hizo que White Wolf se cayese a pedazos, puede suceder con el abuelo de los JDR, aun espero que Wizards recapacite sobre lo que esta haciendo y no la cague mas de lo que la esta cagando.
Terminada esta reivindicación, se volverá al programa establecido, buenas noches y buena suerte.
miércoles, 15 de agosto de 2007
EL FURRY: ¿ARTE O PERVERSION?
Conocí por primera vez el Furry art en el año 2003 (creo); en una pagina de Internet encontré algunos dibujos de Jeremy Bernal; estos extraños dibujos donde salían animales con rasgos antropomórficos me cautivaron con una extraña mezcla de intriga y de curiosidad, a partir de allí he podido ahondar mas en el tema y arrojar algo de luz sobre esta temática extraña que tiene tanto seguidores como detractores, por eso pretendo penetrar en este extraño mundo para mostrar a propios y extraños que es este estilo de vida casi podríamos decir.
¿QUE ES EL FURRY?
El Furry viene de la palabra inglesa “fur” que significa pelaje de animal (como el de un perro o un gato), esta palabra generó otra llamada Furry que quiere decir “peludito” y así es como esta extraña subcultura recibió este nombre en su vertiente para nombrar a animales que se comportan, visten y hablan como los humanos, e incluso tienen rasgos humanoides tales como piernas en vez de patas, manos en lugar de pezuñas y cosas por el estilo; esto a parte de ser temática de muchos dibujantes amateur y profesionales que viajan por la web, a esto tenemos que añadir el termino yiff que es el sonido que pronuncian los zorros cuando se aparean, este termino sirve para nombrar dibujos eróticos y/o pornográficos relacionados con el Furry; hecha esta aclaración de terminologías podemos continuar.
ORIGENES DEL FURRY
El Furry se tiene constancia de que existe desde que en USA (cuna original del Furry art), comenzaron con la creación de las primeras caricaturas animadas de los Merry Melodies (los futuros Looney Toones) que fueron los primeros en sacar a personajes como liebres, lobos, osos, patos y serpientes que hablaban e incluso se vestían y se comportaban como seres humanos, este estilo fue copiado por Walt Disney a la hora de crear al ratón Micky, Donald, y compañía; en los años 60 al otro lado del Pacifico, el padre del manga Osamu Tezuka saca a la palestra la serie de animación Bagi, la mujer gato, donde, lejos de las “nekomimis” actuales representaba una mujer gato de verdad con pelaje, orejas, bigotes y cola, este hibrido de mujer y gato representaba una de las primeras introducciones al Furry art en el país del Sol Naciente, a pesar de que en Japón ya cabe constancia de que en su mitología milenaria (al igual que en China), ya existían criaturas animales que se comportaban como humanos, seres como los nezumi (ratones), kitsune (zorros) o tanuki (tejones); volviendo a EE.UU. y a nuestra época, la fama de sacar animales “humanizados” llego hasta las mascotas de los equipos de Football, Baseball y Baloncesto se hizo patente a partir de los años 80; donde leones, búfalos, pumas, mapaches, ardillas y cocodrilos se convertían en fetiches de buena suerte para los equipos, ya por aquella época empezaba a escucharse la palabra Furry para definir a aquellas personas que les gustaba disfrazarse de personajes clásicos de la animación de la Warner Bros o de Disney para los salones y concentraciones del Comic en el país, también se empezaron a surgir pequeñas publicaciones “amateur” de temática furry donde se mostraban que algunos artistas habían empezado a utilizar este genero para expresar su arte (que nadie se alarme, puedo prometer y prometo que pondré links de información y paginas de referencia), aunque las apariciones yiff eran aun muy escasas, esto cambio por completo con la aparición de Internet, donde algunas paginas comenzaban a asomar muy tímidamente, la explosión del yiff fue con la llegada de la película de Disney El Rey León, donde se pudieron ver a dos animales protagonistas (Simba y su amiga Nala) expresar su amor lejos de los convencionalismos, esa escena que hizo que mucha gente se subiese por las paredes, fue como el verdadero despertar del yiff, el nuevo siglo supuso un avance para el furry ya que consiguieron en los EE. UU. que se crearan dos convenciones de temática 100% furry/yiff, Furrycon y Anthrocon que se realizan cada año y concentran a cientos de propios y curiosos a esos eventos.
DETRACTORES DEL FURRY
El Furry empezó a gozar de cierta curiosidad y de adeptos que llegaban de forma muy dosificada, en contra de este término, hubo gente que mostró cierta repulsa y algo de condena ante este tipo de prácticas y gustos que rozaban en lo estrambótico, este sentimiento alcanzo niveles insospechados cuando llego el Yiff al conocimiento de la gente mas puritana provoco no menos repugnancia; además si añadimos que en el Furry Yiff, hay de todo y cabe todo, hetero, gay, lesbico e incluso bisex y shemale, esta claro que los mas puritanos deseaban que ese tipo de dibujos desapareciesen; no solo eso, también se unió la iglesia Baptista, la vertiente mas fanática e intransigente de la Iglesia Católica, que se dedica a atacar sin ningún tipo de piedad a los Furfags (termino utilizado para ridiculizar a los que les gusta el furry); no solo eso, muchas paginas de Internet y foros como 4Chan entre otros han condenado el Furry, bien ridiculizandolo o bien condenándolo como una aberración; uno de los puntos de inflexión mas graves fue en el ultimo Anthrocon de este año aparecieron un grupo de personas con pancartas como “Furry sucks” o “Yiff in hell Furfags”, aunque si llegaron a haber intercambio de insultos, el asunto no llego a las manos y el Anthrocon se llevo a cabo sin demasiados problemas.
DEFENDIENDO EL FURRY
Se que algunos pensareis que estoy defendiendo lo indefendible, pero aun así, debo decir que lejos de la demagogia, puedo afirmar que el Furry esta haciéndose oír y que algunas veces el furry nos sorprende con dibujantes realmente buenos, incluso dibujantes yiff que están a la altura de profesionales, y no solamente eso, el furry además cuenta con un gran mensajero que es Internet y que ayudan a que dibujantes “amateur” puedan mostrar sus dibujos a todo el mundo; a la gente que le gusta el furry o el yiff suelen ser personas muy abiertas, muy comunicativas, y contra todo pronostico, existe una gran cantidad de dibujantes que son mujeres y se dan incluso casos de estar casadas e incluso tener hijos; ¿disfrazarse de animales parece aberrante?, bueno, podemos acercarnos a cualquier salón del comic o del manga y veremos a gente disfrazada de personajes de manga, anime o videojuegos; incluso en Japón se realizan películas de cosplay porn donde se pueden ver a las actrices disfrazadas de las chicas de los animes y mangas; en fin, como se dice por ahí:
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La semana que viene toca hablar de historia, la historia de una revista, la revista que nunca fue, Kabuki, la revista que nunca existió; asi que buenas noches y buena suerte.
A continuación, una serie de links a algunas paginas relacionadas con el tema.
http://gabeworks.org/ (excelente artista furry, muy bueno)
http://www.sexyfur.com/ (pagina de pago del artista Jeremy Bernal)
http://www.ayame.furtopia.org/ (pagina gratis de una chica de Texas, ella sobre todo hace dibujos gays aunque tambien hace hetero)
http://www.matoc.furtopia.org/ (dibujante de tematica gay muy bueno, casi profesional)
http://us.vclart.net/vcl/Artists/index.html (sitio donde se agrupan muchos dibujantes que cuelgan sus dibujos; hay de todo)
http://www.jabarchives.com/ (otra "pagina de concentracion" donde aparecen muchos artistas furry)
ahora si, buenas noches y buena suerte.
¿QUE ES EL FURRY?
El Furry viene de la palabra inglesa “fur” que significa pelaje de animal (como el de un perro o un gato), esta palabra generó otra llamada Furry que quiere decir “peludito” y así es como esta extraña subcultura recibió este nombre en su vertiente para nombrar a animales que se comportan, visten y hablan como los humanos, e incluso tienen rasgos humanoides tales como piernas en vez de patas, manos en lugar de pezuñas y cosas por el estilo; esto a parte de ser temática de muchos dibujantes amateur y profesionales que viajan por la web, a esto tenemos que añadir el termino yiff que es el sonido que pronuncian los zorros cuando se aparean, este termino sirve para nombrar dibujos eróticos y/o pornográficos relacionados con el Furry; hecha esta aclaración de terminologías podemos continuar.
ORIGENES DEL FURRY
El Furry se tiene constancia de que existe desde que en USA (cuna original del Furry art), comenzaron con la creación de las primeras caricaturas animadas de los Merry Melodies (los futuros Looney Toones) que fueron los primeros en sacar a personajes como liebres, lobos, osos, patos y serpientes que hablaban e incluso se vestían y se comportaban como seres humanos, este estilo fue copiado por Walt Disney a la hora de crear al ratón Micky, Donald, y compañía; en los años 60 al otro lado del Pacifico, el padre del manga Osamu Tezuka saca a la palestra la serie de animación Bagi, la mujer gato, donde, lejos de las “nekomimis” actuales representaba una mujer gato de verdad con pelaje, orejas, bigotes y cola, este hibrido de mujer y gato representaba una de las primeras introducciones al Furry art en el país del Sol Naciente, a pesar de que en Japón ya cabe constancia de que en su mitología milenaria (al igual que en China), ya existían criaturas animales que se comportaban como humanos, seres como los nezumi (ratones), kitsune (zorros) o tanuki (tejones); volviendo a EE.UU. y a nuestra época, la fama de sacar animales “humanizados” llego hasta las mascotas de los equipos de Football, Baseball y Baloncesto se hizo patente a partir de los años 80; donde leones, búfalos, pumas, mapaches, ardillas y cocodrilos se convertían en fetiches de buena suerte para los equipos, ya por aquella época empezaba a escucharse la palabra Furry para definir a aquellas personas que les gustaba disfrazarse de personajes clásicos de la animación de la Warner Bros o de Disney para los salones y concentraciones del Comic en el país, también se empezaron a surgir pequeñas publicaciones “amateur” de temática furry donde se mostraban que algunos artistas habían empezado a utilizar este genero para expresar su arte (que nadie se alarme, puedo prometer y prometo que pondré links de información y paginas de referencia), aunque las apariciones yiff eran aun muy escasas, esto cambio por completo con la aparición de Internet, donde algunas paginas comenzaban a asomar muy tímidamente, la explosión del yiff fue con la llegada de la película de Disney El Rey León, donde se pudieron ver a dos animales protagonistas (Simba y su amiga Nala) expresar su amor lejos de los convencionalismos, esa escena que hizo que mucha gente se subiese por las paredes, fue como el verdadero despertar del yiff, el nuevo siglo supuso un avance para el furry ya que consiguieron en los EE. UU. que se crearan dos convenciones de temática 100% furry/yiff, Furrycon y Anthrocon que se realizan cada año y concentran a cientos de propios y curiosos a esos eventos.
DETRACTORES DEL FURRY
El Furry empezó a gozar de cierta curiosidad y de adeptos que llegaban de forma muy dosificada, en contra de este término, hubo gente que mostró cierta repulsa y algo de condena ante este tipo de prácticas y gustos que rozaban en lo estrambótico, este sentimiento alcanzo niveles insospechados cuando llego el Yiff al conocimiento de la gente mas puritana provoco no menos repugnancia; además si añadimos que en el Furry Yiff, hay de todo y cabe todo, hetero, gay, lesbico e incluso bisex y shemale, esta claro que los mas puritanos deseaban que ese tipo de dibujos desapareciesen; no solo eso, también se unió la iglesia Baptista, la vertiente mas fanática e intransigente de la Iglesia Católica, que se dedica a atacar sin ningún tipo de piedad a los Furfags (termino utilizado para ridiculizar a los que les gusta el furry); no solo eso, muchas paginas de Internet y foros como 4Chan entre otros han condenado el Furry, bien ridiculizandolo o bien condenándolo como una aberración; uno de los puntos de inflexión mas graves fue en el ultimo Anthrocon de este año aparecieron un grupo de personas con pancartas como “Furry sucks” o “Yiff in hell Furfags”, aunque si llegaron a haber intercambio de insultos, el asunto no llego a las manos y el Anthrocon se llevo a cabo sin demasiados problemas.
DEFENDIENDO EL FURRY
Se que algunos pensareis que estoy defendiendo lo indefendible, pero aun así, debo decir que lejos de la demagogia, puedo afirmar que el Furry esta haciéndose oír y que algunas veces el furry nos sorprende con dibujantes realmente buenos, incluso dibujantes yiff que están a la altura de profesionales, y no solamente eso, el furry además cuenta con un gran mensajero que es Internet y que ayudan a que dibujantes “amateur” puedan mostrar sus dibujos a todo el mundo; a la gente que le gusta el furry o el yiff suelen ser personas muy abiertas, muy comunicativas, y contra todo pronostico, existe una gran cantidad de dibujantes que son mujeres y se dan incluso casos de estar casadas e incluso tener hijos; ¿disfrazarse de animales parece aberrante?, bueno, podemos acercarnos a cualquier salón del comic o del manga y veremos a gente disfrazada de personajes de manga, anime o videojuegos; incluso en Japón se realizan películas de cosplay porn donde se pueden ver a las actrices disfrazadas de las chicas de los animes y mangas; en fin, como se dice por ahí:
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La semana que viene toca hablar de historia, la historia de una revista, la revista que nunca fue, Kabuki, la revista que nunca existió; asi que buenas noches y buena suerte.
A continuación, una serie de links a algunas paginas relacionadas con el tema.
http://gabeworks.org/ (excelente artista furry, muy bueno)
http://www.sexyfur.com/ (pagina de pago del artista Jeremy Bernal)
http://www.ayame.furtopia.org/ (pagina gratis de una chica de Texas, ella sobre todo hace dibujos gays aunque tambien hace hetero)
http://www.matoc.furtopia.org/ (dibujante de tematica gay muy bueno, casi profesional)
http://us.vclart.net/vcl/Artists/index.html (sitio donde se agrupan muchos dibujantes que cuelgan sus dibujos; hay de todo)
http://www.jabarchives.com/ (otra "pagina de concentracion" donde aparecen muchos artistas furry)
ahora si, buenas noches y buena suerte.
miércoles, 8 de agosto de 2007
STAR WARS Y LAS MUTILACIONES
Todo el mundo conoce la saga galáctica que catapulto a un joven e independiente cineasta de un humilde pueblo de California al estrellato y a ducharse todos los días con champán francés, y tener dinero a espuertas, estamos hablando de George Lucas, el american dreamer por excelencia de la industria de Hollywood; gracias a sus ideales, consiguió crear un fenómeno de masas, una historia sin igual, y un cosmos increíble por explotar y una enorme fuente de ingresos y trabajo, no solo para la industria del cine, si no para la industria juguetera, la industria de los videojuegos, textil y otras; pero, ¿es posible que detrás del éxito haya alguna razón oscura y/o fetichismo por la que el señor George Lucas le de siempre por cortar bracitos?, ¿es solo mera coincidencia o tal vez existe alguna explicación lógica para semejante orgía de amputaciones?; examinemos cuidadosamente toda la saga Galáctica película por película.
STAR WARS: LA NUEVA ESPERANZA
Estaba yo más feliz que una perdiz tranquilamente en mi casa viendo por vez primera el primer titulo de la saga galáctica; estábamos viendo a la princesa Leia secuestrada por el malo Darth Vader, la aparición de los dos androides, la incursión de los buenos Luke Skywalker y Obi-Wan Kenobi, llegan a una ciudad, entran en una taberna, Luke tiene un altercado con un alienígena aparece Kenobi con su sable de luz, el bicho saca su pistola y de pronto ¡ZAS!, los gritos de la criatura y el primer plano de la mano cortada del bicho hicieron estremecerme: “WHAT!?” dije, “¡¿hemos pasado de Star Wars a Viernes 13 en menos de 3 segundos?!”, por suerte, y a pesar de este susto, el resto de la película transcurre sin ningún tipo de sorpresa.
EL IMPERIO CONTRAATACA
Buen comienzo para la secuela de la primera película, y un comienzo no menos motivador, incluyendo el secuestro de Luke a manos de esa especie de Yeti, en ese momento, Luke saca de la nieve su sable láser y de pronto ¡ZAS! El brazo del Yeti a tomar por saco, en ese momento se me abrieron los ojos como platos y dije: “¡Rayos, lo volvió a hacer!”, y no solo eso, si no que además en el combate final, el bueno de Luke pierde una mano cortesía del siniestro caballero del Sith, ya van 3 brazos en 2 películas.
EL RETORNO DEL JEDI
En la ultima estuve en tensión cronometro en mano a ver cuanto tiempo tardaba el bueno del Lucas en cortar otro apéndice, sin embargo, no fue hasta el final de la película cuando Luke le devuelve el “favor” a su padre y le corta el otro brazo.
LA AMENAZA FANTASMA
Casi 10 años después de la Trilogía que ilumino los cines y cambio de forma radical la forma de hacer películas, George Lucas vuelve a la carga con una segunda trilogía contando la precuela de su saga primera; en esta película debo reconocer que Lucas contuvo sus bajos instintos y no vimos ningún brazo cortado, sin embargo, al final de la película se desahoga partiendo por la mitad a Darth Maul.
EL ATAQUE DE LOS CLONES
Esta segunda parte fue un preludio al gran final que nos esperaba en la ultima película, aquí nada mas empezar, la asesina que envía Jango Fett a matar a Padme Amidala pierde un brazo, cortesía de Obi-Wan y luego al final de la película Anakin Skywalker pierde su brazo a manos del malvado Sarum.. Digooo Darth Tyranus; luego cuando volví a ver la película una segunda vez me di cuenta… ¡La madre que lo parió!, el alienígena verde que quiere comerse a Kenobi en el coliseo pierde las patas antes de morir, cortadas lógicamente por un sable de luz.
LA VENGANZA DE LOS SITH
Aquí Lucas entra en un frenesí enloquecedor; en todo lo que dura la película; a los primeros 5 minutos, el conde Dooku pierde los dos brazos (que alegría, que emoción, hoy es el día del Señor), Mace Windu pierde sus otros dos brazos, el robotico General Grievus pierde sus cuatro brazos (que alegría, que emoción, hoy es el día del Señor) y para colofón, el renegado Anakin Skywalker pierde los dos brazos y las dos piernas en su duelo final contra Obi-Wan Kenobi; la sensación de decir: “Te has quedado a gusto Lucas” era mas que palpable en aquel film.
Espero que os haya gustado esta pequeña exposición que espero que haya sido divertida y que espero que os haya hecho arrancar alguna sonrisa; esta pequeña entrada no la he escrito con la intención de meterme con la saga galáctica, si no mas bien, disponerla como una manera divertida y satírica de enfocar la serie; la próxima semana, tocara ponerse serios, y hablar de un tema que lleva de cabeza a mucha gente:
El Furry, ¿Arte o Degeneración?; es un tema que pienso abordar desde varios ángulos, incluyendo en su relación con el resto de sub-culturas tales como el rol o el comic, asi que buenas noches, y buena suerte
STAR WARS: LA NUEVA ESPERANZA
Estaba yo más feliz que una perdiz tranquilamente en mi casa viendo por vez primera el primer titulo de la saga galáctica; estábamos viendo a la princesa Leia secuestrada por el malo Darth Vader, la aparición de los dos androides, la incursión de los buenos Luke Skywalker y Obi-Wan Kenobi, llegan a una ciudad, entran en una taberna, Luke tiene un altercado con un alienígena aparece Kenobi con su sable de luz, el bicho saca su pistola y de pronto ¡ZAS!, los gritos de la criatura y el primer plano de la mano cortada del bicho hicieron estremecerme: “WHAT!?” dije, “¡¿hemos pasado de Star Wars a Viernes 13 en menos de 3 segundos?!”, por suerte, y a pesar de este susto, el resto de la película transcurre sin ningún tipo de sorpresa.
EL IMPERIO CONTRAATACA
Buen comienzo para la secuela de la primera película, y un comienzo no menos motivador, incluyendo el secuestro de Luke a manos de esa especie de Yeti, en ese momento, Luke saca de la nieve su sable láser y de pronto ¡ZAS! El brazo del Yeti a tomar por saco, en ese momento se me abrieron los ojos como platos y dije: “¡Rayos, lo volvió a hacer!”, y no solo eso, si no que además en el combate final, el bueno de Luke pierde una mano cortesía del siniestro caballero del Sith, ya van 3 brazos en 2 películas.
EL RETORNO DEL JEDI
En la ultima estuve en tensión cronometro en mano a ver cuanto tiempo tardaba el bueno del Lucas en cortar otro apéndice, sin embargo, no fue hasta el final de la película cuando Luke le devuelve el “favor” a su padre y le corta el otro brazo.
LA AMENAZA FANTASMA
Casi 10 años después de la Trilogía que ilumino los cines y cambio de forma radical la forma de hacer películas, George Lucas vuelve a la carga con una segunda trilogía contando la precuela de su saga primera; en esta película debo reconocer que Lucas contuvo sus bajos instintos y no vimos ningún brazo cortado, sin embargo, al final de la película se desahoga partiendo por la mitad a Darth Maul.
EL ATAQUE DE LOS CLONES
Esta segunda parte fue un preludio al gran final que nos esperaba en la ultima película, aquí nada mas empezar, la asesina que envía Jango Fett a matar a Padme Amidala pierde un brazo, cortesía de Obi-Wan y luego al final de la película Anakin Skywalker pierde su brazo a manos del malvado Sarum.. Digooo Darth Tyranus; luego cuando volví a ver la película una segunda vez me di cuenta… ¡La madre que lo parió!, el alienígena verde que quiere comerse a Kenobi en el coliseo pierde las patas antes de morir, cortadas lógicamente por un sable de luz.
LA VENGANZA DE LOS SITH
Aquí Lucas entra en un frenesí enloquecedor; en todo lo que dura la película; a los primeros 5 minutos, el conde Dooku pierde los dos brazos (que alegría, que emoción, hoy es el día del Señor), Mace Windu pierde sus otros dos brazos, el robotico General Grievus pierde sus cuatro brazos (que alegría, que emoción, hoy es el día del Señor) y para colofón, el renegado Anakin Skywalker pierde los dos brazos y las dos piernas en su duelo final contra Obi-Wan Kenobi; la sensación de decir: “Te has quedado a gusto Lucas” era mas que palpable en aquel film.
Espero que os haya gustado esta pequeña exposición que espero que haya sido divertida y que espero que os haya hecho arrancar alguna sonrisa; esta pequeña entrada no la he escrito con la intención de meterme con la saga galáctica, si no mas bien, disponerla como una manera divertida y satírica de enfocar la serie; la próxima semana, tocara ponerse serios, y hablar de un tema que lleva de cabeza a mucha gente:
El Furry, ¿Arte o Degeneración?; es un tema que pienso abordar desde varios ángulos, incluyendo en su relación con el resto de sub-culturas tales como el rol o el comic, asi que buenas noches, y buena suerte
miércoles, 1 de agosto de 2007
Zé Do Caixao, maestro del Terror Brasileño
Brasil es una tierra extraña, mezcla de varias culturas, por un lado los colonos españoles y portugueses, por otro lado los esclavos que se trajeron de África por los esclavistas de Portugal, trayéndose todas sus creencias y misticismo, tales como la legendaria magia Vudú y sus rituales, si además tenemos que añadir el choque cultural que hubo con la presencia de tribus aborígenes del Amazonas, el cocktail de razas y de mestizaje que allí se genero convierte a Brasil en una tierra exótica y única en todo el mundo; y uno de estos personajes mas importantes y simbólicos que pueblan este país es el gran José Mújica Marins, el padre de Zé do Caixao, también conocido como el Príncipe Oscuro de Sao Paulo, su popularidad en las tierras de la Samba lo convierten en un icono que solo rivaliza con el Santo el enmascarado de plata de México.
Contemos un poco la historia de este personaje:
Antonio Marins era un español que huyo de la Guerra Civil hacia Sudamérica como hicieron muchos otros escapando de las bombas y de los tiroteos; siguiendo un tópico, se metió a Torero donde hizo algunos ruedos en Río de Janeiro y Sao Paulo y más tarde abrir su propia escuela taurina en Sao Paulo, sin embargo, las quejas de las sociedades protectoras de Animales hacen que cuelgue el capote y se enrole en un circo donde contrae matrimonio con Carmen, una chica que canta tangos en un bar en Bahí, a los pocos meses, nace su primogénito al que bautizaron como José Mújica en honor a un galán latino de aquella época; ya desde muy niño, el pequeño José vivió algunas situaciones que marcarían su obra y personalidad para siempre, primeramente, con 11 años es secuestrado por unos gitanos que afortunadamente y gracias a las fuerzas de la ley todo queda en un susto; luego, con 13 años asiste a la “resurrección” de un cataléptico ante los ojos de José y de sus amigos; mientras toda la gente allí reunida huía aterrada ante el fenómeno, ellos se acercan al resucitado a hablar con el para preguntarle como es el mundo de los muertos; otro suceso paranormal fue en una noche mientras paseaba por un cementerio vio los fuegos fatuos verdosos que surgen de las tumbas y José huye asustado pensando que eran las almas de los muertos que regresaban para atraparlo; también empezó a interesarse por el cine; con 15 años, su padre le compra la primera cámara de video para empezar a rodar sus cortometrajes, el primero se llamo “Juicio Final”, donde un grupo de drogadictos van al infierno para ajustar cuentas, otra de sus películas es “Sentencia de Dios”, donde un grupo de ángeles van a juzgar a los humanos, y así los puros volaban al cielo en ataúdes blancos con alas y los pecadores se quedaban en la tierra convertidos en gusanos, este cortometraje fue visto por un cura en Sao Paulo y le recomendó a los padres de Marins que le buscasen un psicólogo, además le metió interno en un colegio de jesuitas, José se escapa del colegio y prosigue su aventura como cineasta experimental, hay que decir que debido a esta experiencia desarrollaría una aversión a la iglesia Católica que se vería reflejada en varias de sus películas, José seguiría haciendo cortometrajes que proyectaba en parques de atracciones y en las fiestas de los pueblos, el dinero que ganaría lo utilizaría para financiar otros proyectos, en 1958, es contratado por la Industria Cinematográfica Apolo para la producción de un Film llamado "El sino del aventurero", una película del oeste, seria la primera película Brasileña grabada en cinemascope; aquí empezó a vislumbrarse el halo de mala suerte de José Mújica; una de las actrices muere ahogándose en una piscina, la actriz que iba a sustituirla sufre un accidente de coche y pierde una pierna; al final logro terminar la película, sin embargo, durante el montaje, se dio cuenta que algunas escenas estaban desenfocadas del todo, al final, tuvo que arreglarlo como pudo, y lógicamente, el resultado final fue una mierda, sin embargo la película fue un verdadero bombazo y la productora gano mucho dinero; en 1961 la Asamblea de Padres le encarga a la Cinematográfica Apolo hacer una película acerca del trabajo de los reformatorios a la hora de reintroducir a los jóvenes descarriados a la sociedad; la película se llamaría “Mi destino en tus manos”, y la película se utilizaría para catapultar al niño cantor “Franquito” (abstenerse de chistes fáciles) a la fama para poder competir en cartelera con los niños prodigio de España como Pablito Calvo o Joselito, sin embargo la película fue un desastre, unas lluvias torrenciales destruyen parte del equipo de rodaje y la película se suspende, además que parte del equipo abandona a Marins para unirse al rodaje español de la película de Marisol Rumbo a Río, José Mújica decide vender su coche y su casa para comprar equipo nuevo y contratar un nuevo equipo de rodaje, la película se termina en cuatro semanas y el resultado deja mucho que desear, la critica se ceba con José con frases lapidarias como: “José Mújica Marins esta loco”, por aquel entonces José estaba pensando en la introducción del genero de terror en Brasil, sin embargo, un suceso cambiaria Brasil para siempre con el golpe de estado que se convertiría en una dictadura fascista durante mucho tiempo; las luchas de José Mújica contra la tijera de la censura serian memorables, por aquella época, aquejado de unas fiebres, José Mújica tiene que aguardar en cama; preso de los delirios y de los dolores tiene un sueño donde es arrastrado por un cementerio por un sepulturero con una capa negra y un sombrero alto de copa y barba negra, aterrado, José se dio cuenta que ese sepulturero, era el mismo; y ese fue el comienzo de todo; después de esta pesadilla, José Mújica se pone a escribir como un loco y empieza a crear a Zé, un siniestro enterrador ateo, blasfemo, sádico, necromántico, que desafía tanto a Dios como al demonio, y que no tiene ningún escrúpulo, la historia que le daría a Zé daría pie para seis películas que al final tuvo que reducir a tres, y así fue como empezaría el reinado oscuro de Zé do Caixao, en la primera película, la cual ya desde el primer momento contó con la mirada ominosa de la censura y el gesto desaprobador de la iglesia, se conoce como “A medianoche me llevare tu alma”; desde el primer momento, el propio Zé decidió encarnarlo el propio Marins impresionado por su propio sueño; la historia arranca en un pueblo del interior del país, completamente subyugado por el caciquismo y la iglesia, este pueblo abandonado de la mano de Dios es el hogar de Zé do Caixao, este siniestro personaje esta buscando a la mujer perfecta con la que pretende engendrar a un hijo fuerte y sano para heredar su legado de terror, así la película se mueve a través de muertes, mutilaciones y duras escenas de violencia hasta que descubre que la mujer que Zé eligió es estéril, por lo que el siniestro sepulturero la mata atándola a una cama y dejando caer sobre ella una mortífera Tarántula Cangrejera, la especie mas venenosa de Brasil; esta primera película resulto ser uno de los primeros films “gore” y una de las primeras películas de psycho killers de la industria, incluso, para darle un aire mas místico, al principio de la película aparecería una hechicera vudú advirtiendo a los que eran débiles de estomago o se asustan fácilmente que saliesen de la sala de cine; ante semejante shock cinematográfico opiniones hubieron como flores en el campo, muchos tildaron a Marins como “el asesino del cine brasileño”, sin embargo un pequeño grupo de artistas de Sudamérica le dieron el titulo de “el mejor cineasta del mundo”, la explosión de popularidad y la cantidad de dinero que recibió Marins le dio pie para hacer la segunda parte de la película, “El purgatorio de Zé do Caixao” donde esta vez Zé se las tenia que ver con una especie de criatura del cielo y del infierno enviada para castigar a Zé, que tras la pelea Zé subiría al cielo para ser juzgado por sus crímenes, aunque la película no fue el colmo de la técnica, siguió congregando a gente a las puertas de los cines, donde las salas se convertían en lugares de culto al extraño sepulturero, la trilogía termina con la película “Esta noche me encarnare en tu cadáver” donde Marins pensaba matar a su personaje; la historia empieza con el retorno de Zé al mismo pueblo en su búsqueda de la mujer perfecta para engendrar un hijo; en esta película, Zé es atrapado por las almas de las personas a las que ha torturado y matado y es arrastrado al infierno, donde saliéndose del estilo clásico del infierno, Marins nos muestra un páramo gélido con cientos de brazos de personas surgiendo del hielo, que al derretirse se convierte en sangre, en el centro de esta pesadilla aparece Satanás el cual se enfrenta a Zé, al final cuando Zé vuelve al mundo de los vivos, descubre que la mujer que ha elegido ha dado a luz sin embargo el niño ha nacido muerto, y ella también durante el parto, en la ultima escena, Zé es perseguido por la enfurecida muchedumbre, donde al final Zé muere en un pantano donde es tragado por las arenas movedizas no sin antes musitar unas ridículas palabras de arrepentimiento que no figuran en el guión y que fueron introducidas por la censura después.
La popularidad del extraño sepulturero fue tal que incluso llego a hacerse famoso con sus “castings” donde hacia a sus aspirantes a comer cucarachas, acariciar tarántulas y lamer serpientes; esto sucedió cuando en “El Purgatorio...” dos chicas abandonaron el rodaje sin decir nada ni avisar cuando se enteraron que iban a protagonizar una escena donde serian literalmente sepultadas en tarántulas; Marins se enfado muchísimo, y por eso decidió poner esas durísimas pruebas a los aspirantes para trabajar en las películas de Marins, también su estudio se convirtió en un lugar donde se desarrollaban orgías y rituales satánicos de donde Marins saca la inspiración de sus películas, incluso llegan a creer que José Mújica Marins tiene misteriosos poderes oscuros y creen que es un personaje de la Macumba Brasileña; (de ahí que actualmente muchos hechiceros vudú lleven el sombrero de copa), incluso llega a participar en “La Trilogía del Terror” siendo el primero de los cortos, una historia que cuenta el origen de Zé do Caixao en un joven muchacho que tiene miedo a ser enterrado vivo debido a sus ataques de catalepsia, y que tiene visiones de bichos y monstruos deformes, una noche mientras unos desalmados violaban a su novia, el chaval cae en un estado cataléptico, la familia lo entierra creyéndolo muerto, cuando la novia que sobrevivió al ataque ve un puesto ambulante donde una gitana vende animales embalsamados, al reconocer la chica los monstruos que su novio hablaba en los animales embalsamados entonces hace que todo el cortejo fúnebre regrese a la tumba y empiece a cavar con las manos en lo que seria un ritual de resurrección macabro; la década de los años 60 se despide de Marins con una película de tres capítulos llamada “El extraño mundo de Zé do Caixao”, donde el propio Zé se convertiría en un anfitrión a lo largo de tres escalofriantes historias, llamadas “El fabricante de muñecas”, “Tara” e “Ideología”, siendo el propio Zé do Caixao el protagonista de la ultima; la década de los años 70 se abre con la nueva producción llamada “El despertar de la Bestia”, aunque el protagonista no seria Zé, si estaría presente en el film, en este caso, la historia trata de un medico que inyecta a cuatro voluntarios una dosis de LSD y les pone a mirar un cuadro de Zé y les invita a que piensen en Zé do Caixao, lo que sufren es una pesadilla psicotrópica donde son atormentados y perseguidos por el siniestro sepulturero, al final de la película, el medico dice que lo único que les suministro fue agua y que todo lo demás lo crearon los propios pacientes gracias a la autosugestión, el film pretendía ser un éxito sin embargo, la censura al ver que trataba el tema de las drogas, algo que pesaba sobre Brasil como una losa de mármol desde hacia mucho tiempo, decidieron retener la película durante 13 años; tras este traspiés y colgando la capa y el sombrero de copa, decide hacer la película “Finís Hominis” donde hace el papel de un curandero que tiene milagrosos poderes sanadores e incluso puede resucitar a los muertos, pero que al final resulta que solo era un loco fugado de un manicomio, también crea otra película conocida como “Cuando los dioses adormecen”, la historia real de un faquir canibal con una gran capacidad de soportar el dolor y que al final muere de inanición en el interior de una campana de cristal, después de esta película, Marins entra en una etapa decadente, de la Cinematográfica Apolo, pasa a otra productora conocida como Iberia Films, donde dirige algunos “westerns”, y películas eróticas, no se volvió a ver al siniestro sepulturero hasta algunos años mas adelante, el primero fue “Delirios de un anormal”, que mas que una película es mas bien una entrevista entre José Mújica y un loco que cree que Zé do Caixao es real, sin embargo Marins intenta convencerle de que no es mas que un personaje ficticio, después, en 1975 crea “La extraña hospedería de los placeres”, donde Zé do Caixao bajo el nombre de Zé de las Penitencias, hace el papel de un extraño cura que arrastra a la juventud a seguir su extraño culto de alcanzar la espiritualidad a través de los excesos como las drogas o el sexo, que para colmo de males degenera en una riada de cadáveres, sin duda una dura critica de Marins a las sectas religiosas destructivas; cambiando un poco de aires, Marins decide sacar historietas de comics de Zé y también una serie para la televisión brasileña llamada “El Oscuro Mundo de Zé do Caixao”, donde se contarían historias del estilo de “El Extraño mundo…”; los años 80 representan la peor época de Marins, donde viéndose sin un duro, se ve obligado a meterse a filmar porno; pero en vez de filmar el típico “gonzo” de encargo, Marins decide crear la guarrada definitiva, contrato a las mujeres mas feas de todo Brasil para crear “24 horas de sexo explicito” y su continuación “48 horas de sexo alucinante”, donde se podría contemplar una de las primeras escenas de zoofilia entre una de las mujeres y un perro antes de la infame (o famosa según se mire) escena de Cicciolina y el caballo; a mediados de los 80 publica en VHS “Demonios y Maravillas”, la video biografía de José Mújica Marins donde incluiría todo el metraje censurado de sus películas de Zé; en la actualidad, José Mújica trabaja en varios proyectos, entre ellos una obra de teatro llamada “Pesadilla Macabra”; también llega a participar en alguna película infantil, y también en algunas películas como actor, aunque fuera del papel de Zé, en 1994 la empresa “Something Weird Video” saca en VHS las películas de Zé do Caixao bajo el nombre Coffin Joe; actualmente, a los 71 años y con un saludable estado de salud, y con algo mas de holgura económica prepara para el 2008 la película llamada “Exorcismo Negro: Zé do Caixao retorna del infierno”, donde el siniestro sepulturero volvería al mundo de los vivos y se encontraría con la mujer perfecta; además, José Mújica Marins piensa rodar su operación quirúrgica en el ojo izquierdo y utilizarla en la película; ¡mas realista que nunca!.
EL LEGADO:
Desde el siniestro estilo de Freddy Kruger en “Pesadilla en Helms Street”, hasta el porte del luchador de la WWE el Undertaker, todos ellos han sufrido la inspiración directa o indirecta de esta siniestra entidad, este ser ateo, malsano y cruel, que actualmente permanece en el subconsciente de la población brasileña, algo similar al hombre del saco, un ser terrorífico y a la vez fascinante, que incluso, la madres Brasileñas amenazan a los niños que se portan mal con la imagen embozada en negro con capa uñas terrorificas y sombrero de copa, Zé do Caixao.
El próximo relato, toca hablar de George Lucas y su saga galáctica, y el problema que tiene el creador con los brazos; buenas noches, y buena suerte.
Brasil es una tierra extraña, mezcla de varias culturas, por un lado los colonos españoles y portugueses, por otro lado los esclavos que se trajeron de África por los esclavistas de Portugal, trayéndose todas sus creencias y misticismo, tales como la legendaria magia Vudú y sus rituales, si además tenemos que añadir el choque cultural que hubo con la presencia de tribus aborígenes del Amazonas, el cocktail de razas y de mestizaje que allí se genero convierte a Brasil en una tierra exótica y única en todo el mundo; y uno de estos personajes mas importantes y simbólicos que pueblan este país es el gran José Mújica Marins, el padre de Zé do Caixao, también conocido como el Príncipe Oscuro de Sao Paulo, su popularidad en las tierras de la Samba lo convierten en un icono que solo rivaliza con el Santo el enmascarado de plata de México.
Contemos un poco la historia de este personaje:
Antonio Marins era un español que huyo de la Guerra Civil hacia Sudamérica como hicieron muchos otros escapando de las bombas y de los tiroteos; siguiendo un tópico, se metió a Torero donde hizo algunos ruedos en Río de Janeiro y Sao Paulo y más tarde abrir su propia escuela taurina en Sao Paulo, sin embargo, las quejas de las sociedades protectoras de Animales hacen que cuelgue el capote y se enrole en un circo donde contrae matrimonio con Carmen, una chica que canta tangos en un bar en Bahí, a los pocos meses, nace su primogénito al que bautizaron como José Mújica en honor a un galán latino de aquella época; ya desde muy niño, el pequeño José vivió algunas situaciones que marcarían su obra y personalidad para siempre, primeramente, con 11 años es secuestrado por unos gitanos que afortunadamente y gracias a las fuerzas de la ley todo queda en un susto; luego, con 13 años asiste a la “resurrección” de un cataléptico ante los ojos de José y de sus amigos; mientras toda la gente allí reunida huía aterrada ante el fenómeno, ellos se acercan al resucitado a hablar con el para preguntarle como es el mundo de los muertos; otro suceso paranormal fue en una noche mientras paseaba por un cementerio vio los fuegos fatuos verdosos que surgen de las tumbas y José huye asustado pensando que eran las almas de los muertos que regresaban para atraparlo; también empezó a interesarse por el cine; con 15 años, su padre le compra la primera cámara de video para empezar a rodar sus cortometrajes, el primero se llamo “Juicio Final”, donde un grupo de drogadictos van al infierno para ajustar cuentas, otra de sus películas es “Sentencia de Dios”, donde un grupo de ángeles van a juzgar a los humanos, y así los puros volaban al cielo en ataúdes blancos con alas y los pecadores se quedaban en la tierra convertidos en gusanos, este cortometraje fue visto por un cura en Sao Paulo y le recomendó a los padres de Marins que le buscasen un psicólogo, además le metió interno en un colegio de jesuitas, José se escapa del colegio y prosigue su aventura como cineasta experimental, hay que decir que debido a esta experiencia desarrollaría una aversión a la iglesia Católica que se vería reflejada en varias de sus películas, José seguiría haciendo cortometrajes que proyectaba en parques de atracciones y en las fiestas de los pueblos, el dinero que ganaría lo utilizaría para financiar otros proyectos, en 1958, es contratado por la Industria Cinematográfica Apolo para la producción de un Film llamado "El sino del aventurero", una película del oeste, seria la primera película Brasileña grabada en cinemascope; aquí empezó a vislumbrarse el halo de mala suerte de José Mújica; una de las actrices muere ahogándose en una piscina, la actriz que iba a sustituirla sufre un accidente de coche y pierde una pierna; al final logro terminar la película, sin embargo, durante el montaje, se dio cuenta que algunas escenas estaban desenfocadas del todo, al final, tuvo que arreglarlo como pudo, y lógicamente, el resultado final fue una mierda, sin embargo la película fue un verdadero bombazo y la productora gano mucho dinero; en 1961 la Asamblea de Padres le encarga a la Cinematográfica Apolo hacer una película acerca del trabajo de los reformatorios a la hora de reintroducir a los jóvenes descarriados a la sociedad; la película se llamaría “Mi destino en tus manos”, y la película se utilizaría para catapultar al niño cantor “Franquito” (abstenerse de chistes fáciles) a la fama para poder competir en cartelera con los niños prodigio de España como Pablito Calvo o Joselito, sin embargo la película fue un desastre, unas lluvias torrenciales destruyen parte del equipo de rodaje y la película se suspende, además que parte del equipo abandona a Marins para unirse al rodaje español de la película de Marisol Rumbo a Río, José Mújica decide vender su coche y su casa para comprar equipo nuevo y contratar un nuevo equipo de rodaje, la película se termina en cuatro semanas y el resultado deja mucho que desear, la critica se ceba con José con frases lapidarias como: “José Mújica Marins esta loco”, por aquel entonces José estaba pensando en la introducción del genero de terror en Brasil, sin embargo, un suceso cambiaria Brasil para siempre con el golpe de estado que se convertiría en una dictadura fascista durante mucho tiempo; las luchas de José Mújica contra la tijera de la censura serian memorables, por aquella época, aquejado de unas fiebres, José Mújica tiene que aguardar en cama; preso de los delirios y de los dolores tiene un sueño donde es arrastrado por un cementerio por un sepulturero con una capa negra y un sombrero alto de copa y barba negra, aterrado, José se dio cuenta que ese sepulturero, era el mismo; y ese fue el comienzo de todo; después de esta pesadilla, José Mújica se pone a escribir como un loco y empieza a crear a Zé, un siniestro enterrador ateo, blasfemo, sádico, necromántico, que desafía tanto a Dios como al demonio, y que no tiene ningún escrúpulo, la historia que le daría a Zé daría pie para seis películas que al final tuvo que reducir a tres, y así fue como empezaría el reinado oscuro de Zé do Caixao, en la primera película, la cual ya desde el primer momento contó con la mirada ominosa de la censura y el gesto desaprobador de la iglesia, se conoce como “A medianoche me llevare tu alma”; desde el primer momento, el propio Zé decidió encarnarlo el propio Marins impresionado por su propio sueño; la historia arranca en un pueblo del interior del país, completamente subyugado por el caciquismo y la iglesia, este pueblo abandonado de la mano de Dios es el hogar de Zé do Caixao, este siniestro personaje esta buscando a la mujer perfecta con la que pretende engendrar a un hijo fuerte y sano para heredar su legado de terror, así la película se mueve a través de muertes, mutilaciones y duras escenas de violencia hasta que descubre que la mujer que Zé eligió es estéril, por lo que el siniestro sepulturero la mata atándola a una cama y dejando caer sobre ella una mortífera Tarántula Cangrejera, la especie mas venenosa de Brasil; esta primera película resulto ser uno de los primeros films “gore” y una de las primeras películas de psycho killers de la industria, incluso, para darle un aire mas místico, al principio de la película aparecería una hechicera vudú advirtiendo a los que eran débiles de estomago o se asustan fácilmente que saliesen de la sala de cine; ante semejante shock cinematográfico opiniones hubieron como flores en el campo, muchos tildaron a Marins como “el asesino del cine brasileño”, sin embargo un pequeño grupo de artistas de Sudamérica le dieron el titulo de “el mejor cineasta del mundo”, la explosión de popularidad y la cantidad de dinero que recibió Marins le dio pie para hacer la segunda parte de la película, “El purgatorio de Zé do Caixao” donde esta vez Zé se las tenia que ver con una especie de criatura del cielo y del infierno enviada para castigar a Zé, que tras la pelea Zé subiría al cielo para ser juzgado por sus crímenes, aunque la película no fue el colmo de la técnica, siguió congregando a gente a las puertas de los cines, donde las salas se convertían en lugares de culto al extraño sepulturero, la trilogía termina con la película “Esta noche me encarnare en tu cadáver” donde Marins pensaba matar a su personaje; la historia empieza con el retorno de Zé al mismo pueblo en su búsqueda de la mujer perfecta para engendrar un hijo; en esta película, Zé es atrapado por las almas de las personas a las que ha torturado y matado y es arrastrado al infierno, donde saliéndose del estilo clásico del infierno, Marins nos muestra un páramo gélido con cientos de brazos de personas surgiendo del hielo, que al derretirse se convierte en sangre, en el centro de esta pesadilla aparece Satanás el cual se enfrenta a Zé, al final cuando Zé vuelve al mundo de los vivos, descubre que la mujer que ha elegido ha dado a luz sin embargo el niño ha nacido muerto, y ella también durante el parto, en la ultima escena, Zé es perseguido por la enfurecida muchedumbre, donde al final Zé muere en un pantano donde es tragado por las arenas movedizas no sin antes musitar unas ridículas palabras de arrepentimiento que no figuran en el guión y que fueron introducidas por la censura después.
La popularidad del extraño sepulturero fue tal que incluso llego a hacerse famoso con sus “castings” donde hacia a sus aspirantes a comer cucarachas, acariciar tarántulas y lamer serpientes; esto sucedió cuando en “El Purgatorio...” dos chicas abandonaron el rodaje sin decir nada ni avisar cuando se enteraron que iban a protagonizar una escena donde serian literalmente sepultadas en tarántulas; Marins se enfado muchísimo, y por eso decidió poner esas durísimas pruebas a los aspirantes para trabajar en las películas de Marins, también su estudio se convirtió en un lugar donde se desarrollaban orgías y rituales satánicos de donde Marins saca la inspiración de sus películas, incluso llegan a creer que José Mújica Marins tiene misteriosos poderes oscuros y creen que es un personaje de la Macumba Brasileña; (de ahí que actualmente muchos hechiceros vudú lleven el sombrero de copa), incluso llega a participar en “La Trilogía del Terror” siendo el primero de los cortos, una historia que cuenta el origen de Zé do Caixao en un joven muchacho que tiene miedo a ser enterrado vivo debido a sus ataques de catalepsia, y que tiene visiones de bichos y monstruos deformes, una noche mientras unos desalmados violaban a su novia, el chaval cae en un estado cataléptico, la familia lo entierra creyéndolo muerto, cuando la novia que sobrevivió al ataque ve un puesto ambulante donde una gitana vende animales embalsamados, al reconocer la chica los monstruos que su novio hablaba en los animales embalsamados entonces hace que todo el cortejo fúnebre regrese a la tumba y empiece a cavar con las manos en lo que seria un ritual de resurrección macabro; la década de los años 60 se despide de Marins con una película de tres capítulos llamada “El extraño mundo de Zé do Caixao”, donde el propio Zé se convertiría en un anfitrión a lo largo de tres escalofriantes historias, llamadas “El fabricante de muñecas”, “Tara” e “Ideología”, siendo el propio Zé do Caixao el protagonista de la ultima; la década de los años 70 se abre con la nueva producción llamada “El despertar de la Bestia”, aunque el protagonista no seria Zé, si estaría presente en el film, en este caso, la historia trata de un medico que inyecta a cuatro voluntarios una dosis de LSD y les pone a mirar un cuadro de Zé y les invita a que piensen en Zé do Caixao, lo que sufren es una pesadilla psicotrópica donde son atormentados y perseguidos por el siniestro sepulturero, al final de la película, el medico dice que lo único que les suministro fue agua y que todo lo demás lo crearon los propios pacientes gracias a la autosugestión, el film pretendía ser un éxito sin embargo, la censura al ver que trataba el tema de las drogas, algo que pesaba sobre Brasil como una losa de mármol desde hacia mucho tiempo, decidieron retener la película durante 13 años; tras este traspiés y colgando la capa y el sombrero de copa, decide hacer la película “Finís Hominis” donde hace el papel de un curandero que tiene milagrosos poderes sanadores e incluso puede resucitar a los muertos, pero que al final resulta que solo era un loco fugado de un manicomio, también crea otra película conocida como “Cuando los dioses adormecen”, la historia real de un faquir canibal con una gran capacidad de soportar el dolor y que al final muere de inanición en el interior de una campana de cristal, después de esta película, Marins entra en una etapa decadente, de la Cinematográfica Apolo, pasa a otra productora conocida como Iberia Films, donde dirige algunos “westerns”, y películas eróticas, no se volvió a ver al siniestro sepulturero hasta algunos años mas adelante, el primero fue “Delirios de un anormal”, que mas que una película es mas bien una entrevista entre José Mújica y un loco que cree que Zé do Caixao es real, sin embargo Marins intenta convencerle de que no es mas que un personaje ficticio, después, en 1975 crea “La extraña hospedería de los placeres”, donde Zé do Caixao bajo el nombre de Zé de las Penitencias, hace el papel de un extraño cura que arrastra a la juventud a seguir su extraño culto de alcanzar la espiritualidad a través de los excesos como las drogas o el sexo, que para colmo de males degenera en una riada de cadáveres, sin duda una dura critica de Marins a las sectas religiosas destructivas; cambiando un poco de aires, Marins decide sacar historietas de comics de Zé y también una serie para la televisión brasileña llamada “El Oscuro Mundo de Zé do Caixao”, donde se contarían historias del estilo de “El Extraño mundo…”; los años 80 representan la peor época de Marins, donde viéndose sin un duro, se ve obligado a meterse a filmar porno; pero en vez de filmar el típico “gonzo” de encargo, Marins decide crear la guarrada definitiva, contrato a las mujeres mas feas de todo Brasil para crear “24 horas de sexo explicito” y su continuación “48 horas de sexo alucinante”, donde se podría contemplar una de las primeras escenas de zoofilia entre una de las mujeres y un perro antes de la infame (o famosa según se mire) escena de Cicciolina y el caballo; a mediados de los 80 publica en VHS “Demonios y Maravillas”, la video biografía de José Mújica Marins donde incluiría todo el metraje censurado de sus películas de Zé; en la actualidad, José Mújica trabaja en varios proyectos, entre ellos una obra de teatro llamada “Pesadilla Macabra”; también llega a participar en alguna película infantil, y también en algunas películas como actor, aunque fuera del papel de Zé, en 1994 la empresa “Something Weird Video” saca en VHS las películas de Zé do Caixao bajo el nombre Coffin Joe; actualmente, a los 71 años y con un saludable estado de salud, y con algo mas de holgura económica prepara para el 2008 la película llamada “Exorcismo Negro: Zé do Caixao retorna del infierno”, donde el siniestro sepulturero volvería al mundo de los vivos y se encontraría con la mujer perfecta; además, José Mújica Marins piensa rodar su operación quirúrgica en el ojo izquierdo y utilizarla en la película; ¡mas realista que nunca!.
EL LEGADO:
Desde el siniestro estilo de Freddy Kruger en “Pesadilla en Helms Street”, hasta el porte del luchador de la WWE el Undertaker, todos ellos han sufrido la inspiración directa o indirecta de esta siniestra entidad, este ser ateo, malsano y cruel, que actualmente permanece en el subconsciente de la población brasileña, algo similar al hombre del saco, un ser terrorífico y a la vez fascinante, que incluso, la madres Brasileñas amenazan a los niños que se portan mal con la imagen embozada en negro con capa uñas terrorificas y sombrero de copa, Zé do Caixao.
El próximo relato, toca hablar de George Lucas y su saga galáctica, y el problema que tiene el creador con los brazos; buenas noches, y buena suerte.
martes, 24 de julio de 2007
Todos hemos disfrutado de niños con las grandes series de la década de los 80; He-Man y los masters del Universo, los Pitufos, Las Tortugas Ninja, los GI Joe, los Thundercats y así un montón más; pero hoy me voy a centrar en una de esas series que marco nuestra infancia, cuando la televisión todavía era inocente antes de la sobrecarga masiva de Programas del cotilleo, Gran Hermano y la zorra de los micrófonos; por ello quiero hacer este articulo a modo de homenaje a todas estas series y a una de ellas en concreto coincidiendo con el reciente estreno de su película en la gran pantalla.
TRANSFORMERS
La serie de los Transformers es una de las más grandes y que al día de hoy sigue aportando grandes beneficios a su productora; pero hagamos historia; ¿de donde vienen los Transformers?
Corría la década de los 80, y parece ser que los japoneses preparaban otra segunda invasión al mundo occidental; esta vez bajo la forma de series animadas de gran calidad, diseño e historia; uno de los géneros que mas impacto a los norteamericanos y europeos eran las series de “robots gigantes” series tales como Mazinger Z, Grendizer, Getter Robo, Macross o Patlabor; los americanos ante tal avalancha de series de robots gigantes optaron sacar la contraofensiva; inspirándose en la serie de éxito Macross donde los robots se transformaban en aviones de combate decidieron hacer mas o menos lo mismo, solo que en el caso de que serian robots autónomos e inteligentes no controlados o construidos por la mano del hombre, que vendrían de otro planeta para seguir su guerra; en este caso serian dos bandos, por un lado los Decepticons que tenían la facultad de convertirse en maquinas de guerra y que estaban guiados por el tirano megalómano conocido como Megatrón; por otro lado, estarían los pacíficos Autobots que se convertían en coches y en vehículos de salvamento y de construcción y que estaban guiados por Optimus Prime, pronto descubrimos que no solo se podían transformar en vehículos creados por el hombre si no también en otros seres vivos como en el caso de los Seacons que tenían la facultad de transformarse en animales marinos o los Dinobots que podían convertirse en Dinosaurios.
La primera serie salio en 1983 en la televisión estadounidense, constaba de 65 capítulos mas un largometraje en VHS que contaría el final de la serie; saliéndose de los estereotipos de las series “inocentes” americanas, en Transformers se sufría, se sangraba e incluso se llegaba a morir, tal y como se ve en el ultimo episodio donde Optimus Prime finalmente moría no sin antes llevarse a Megatrón por delante; la primera emisión no tuvo demasiado éxito; sin embargo, una compañía juguetera conocida como Hasbro deseaba sacar una modesta gama de juguetes de los Transformers; sin embargo, la campaña de juguetes triunfo frente a todo pronostico consiguiendo mucho dinero y popularidad en las ventas lo que hizo que las televisiones repusieran la serie en verano del año 1984; a finales de 1984 pondrían en marcha la continuación de la serie, esta vez a manos de la empresa Japonesa Toei se haría cargo de los diseños y de la animación y empezaría donde termino el largometraje original, con la destrucción de Unicron y la aparición de Galvatron como nuevo lider de los Decepticons; el titulo seria Transformers 2024 y mas tarde sacaría el final de la trilogía, Transformers Head Masters donde aparecería un nuevo Decepticon mucho mas mortífero conocido como Scorponok y su contrapartida; el autobot Fortress Maximus, la historia daría un final inesperado para todos; además, demostró a los productores americanos que se podía ser mucho mas creativo y no solamente sacar aviones y coches; la mente de los japoneses creo aparte de vehículos; insectos, monstruos, animales; todo un verdadero zoológico robotico; esto complació a los directivos de Norteamérica que les dieron la papeleta creativa para crear mas series de transformers y así ellos centrarse en lo que les importaba; la producción de merchandising y en la reciente aparición de la serie de comics producida por Marvel gracias a la bendición de Stan “the man” Lee y a los dibujos de Frank Springer, Allan Kupperberg, William Jhonson, Mike Manley y otros muchos que llevaban las aventuras de los robots transformables al papel; mientras tanto, los japoneses al tener carta blanca en el asunto se pusieron manos a la obra y en 1986 sacaron la serie Transformers The God Masterforce; fue un fracaso, ya que ligaban a los transformers a anclajes humanos que tenían la habilidad de convertirse en el núcleo vital de dicho robot; además en esta historia se jugo con la resurrección de Optimus Prime como humano y no como robot lo cual a los fans americanos no les hizo demasiada gracia; la historia era demasiado caótica y siempre tendían a salir personajes sin ton ni son; los decepticons rebautizados en las versiones japonesas como “Destrons” al mando de un nuevo lider conocido como Overlord planean la llegada de un terrorífico dios de los Destrons llamado Black Zarak (Scorponok) y que solo los 5 guerreros sagrados podrían derrotar al malvado dios y salvar el universo (vamos, un argumento mas plano que las tetas de la madre de Shin Chan); a los americanos no les gusto demasiado esta idea, pero aun así decidieron seguir confiando en Toei para la creación de nuevas series, y aun así decidieron utilizar parte del argumento para la resurrección en comic de Optimus Prime con su guardia pretoriana conocida como los cinco guerreros sagrados de los que hablaba la serie (ahora rebautizados Power Masters), incluyendo un cambio de look radical en el caso de Optimus teniendo un aspecto mucho mas grande y amenazador.
Mas tarde y aprendiendo de sus errores, decidieron crear Transformers Victory; donde sacarían a un nuevo lider Autobot, llamado Star Saber que lucha contra el nuevo caudillo de los Destrons conocido como Dezsaras; visualmente mucho mejor que su antecesora, Transformers Victory contaba con una estética mas similar a la serie americana pero sin perder el sabor japonés que dio tan buenos resultados en Transformers 2024 y Headmasters; la historia si llego a arrancar alguna cara de satisfacción en la cara de los directivos estadounidenses, por el contrario, fueron muy estrictos con una cosa, Optimus Prime que también tenia un papel en esta serie debía morir; aunque los japoneses no estaban muy de acuerdo con la idea de matar a Prime por segunda vez; aun así utilizaron su muerte para que de sus cenizas surgiese la ultima esperanza de los Autobots; Victory Leo, que además fusionado con Star Saber surgiría el ser supremo, el ultimo guerrero que salvaría la Galaxia del acoso de los Destrons; la serie fue un éxito e hizo que Bandai sacase una modesta gama de merchandising de dicha serie; la guinda al pastel la pondría la segunda parte de la serie llamada Transformers Zone; sin embargo supuso un grave resbalón para Toei ya que tanto la historia como el diseño resultaban ridículos; una entidad alienígena maligna resucita a nueve antiguos generales de los Destrons (entre ellos a Dezsaras de T-Victory y a Black Zarak y Overlord de T-God Masterforce), lanzando un ataque en el cual muere Star Saber dejando a los Autobots completamente sin lider, entonces aparece un nuevo lider llamado Dai Atlas para proteger a los débiles; el diseño y la historia se salían tanto de la estética, que decidieron cancelar el proyecto, tan solo dejando el capitulo 01 grabado (para los realmente curiosos, el capitulo piloto esta en Youtube en dos trozos de 9 minutos cada uno); tras esto Toei deja de lado la tarea de seguir haciendo mas series de Transformers en pos de otros proyectos de su madre patria; poco después de eso los transformers dejaron de salir en TV, hasta que a mediados de los años 90 la empresa de animación Canadiense Mainframe Entertaiment recibe el encargo de crear Beast Wars Transformers, una historia que seria la precuela de los Transformers originales donde un joven Optimus Primal, lider de los Maximals (Autobots) se enfrenta a un terrorífico Megatrón lider de los Predacons (Decepticons) tal y como lo harán dentro de varios milenios después en el mismo planeta; el diseño por ordenador y la estética de la historia era tal, que fue un bombazo que incluso se llegaron a hacer 2 continuaciones Beast Wars Metal y Beast Wars Return, el simple hecho de que los personajes fuesen hechos en 3D fue un aliciente extra para llamar la atención para los fanáticos de Transformers; mientras, al otro lado del Océano Pacifico, la compañía rival de Toei, Toho decide crear su versión de Beast Wars llamada Beast Wars II, donde en este caso, los Maximals guiados por León Prime que luchan contra los Decepticons de Devil Zarak; la diferencia no era Transformer animal contra Transformer animal, si no que los Maximals se convertían en animales mientras que los Decepticons se convertían en vehículos mecánicos para representar el enfrentamiento Naturaleza vs. Industria; también hicieron una segunda parte de la serie llamada Beast Wars Neo de características similares; la idea de la serie hubiese estado perfecta, de no ser por el estilo infantil que no gusto nada a los japoneses; pero aun así, la compañía norteamericana decidió darle la potestad a Toho con un encargo nuevo; necesitaban conectar con las posibles nuevas generaciones de fans, por lo que necesitaban hacer una remake de la serie original, la serie se llamo “Transformers robots in disguise”, y mas o menos contaban la misma historia que en la serie original de 1984 solo que con algunos cambios en el guión; también la empresa Toho saco dos continuaciones Transformers Armada y Transformers Energon, esta ultima totalmente creada por ordenador; y en el año 2006 Michael Bay y Steven Spielberg sacan a la palestra ante el asombro de todo el mundo (yo el primero) Transformers, la película de imagen real en cine, además coincidiendo con la llegada de una nueva serie producida por los americanos llamada Transformers Cibertron donde se relataría la guerra en Cibertron entre Autobots y Decepticons (un poco como introducción a la película de Michael Bay), al mismo tiempo que para el 2008 Toho prepara otra serie nueva de Transformers EN LA EDAD VICTORIANA, en definitiva, que Transformers tenemos para rato; ha sido una serie que ha evolucionado a lo largo de casi dos décadas; con gran cantidad de merchandising, de comics, de muñecos y mucho mas merchandising; en definidas cuentas una serie de las de culto.
El próximo día hablare de algo de cine de terror, en este caso hablare de Zé do Caixao, el mas siniestro personaje de la mitología popular Brasileña, buenas noches, y buena suerte.
TRANSFORMERS
La serie de los Transformers es una de las más grandes y que al día de hoy sigue aportando grandes beneficios a su productora; pero hagamos historia; ¿de donde vienen los Transformers?
Corría la década de los 80, y parece ser que los japoneses preparaban otra segunda invasión al mundo occidental; esta vez bajo la forma de series animadas de gran calidad, diseño e historia; uno de los géneros que mas impacto a los norteamericanos y europeos eran las series de “robots gigantes” series tales como Mazinger Z, Grendizer, Getter Robo, Macross o Patlabor; los americanos ante tal avalancha de series de robots gigantes optaron sacar la contraofensiva; inspirándose en la serie de éxito Macross donde los robots se transformaban en aviones de combate decidieron hacer mas o menos lo mismo, solo que en el caso de que serian robots autónomos e inteligentes no controlados o construidos por la mano del hombre, que vendrían de otro planeta para seguir su guerra; en este caso serian dos bandos, por un lado los Decepticons que tenían la facultad de convertirse en maquinas de guerra y que estaban guiados por el tirano megalómano conocido como Megatrón; por otro lado, estarían los pacíficos Autobots que se convertían en coches y en vehículos de salvamento y de construcción y que estaban guiados por Optimus Prime, pronto descubrimos que no solo se podían transformar en vehículos creados por el hombre si no también en otros seres vivos como en el caso de los Seacons que tenían la facultad de transformarse en animales marinos o los Dinobots que podían convertirse en Dinosaurios.
La primera serie salio en 1983 en la televisión estadounidense, constaba de 65 capítulos mas un largometraje en VHS que contaría el final de la serie; saliéndose de los estereotipos de las series “inocentes” americanas, en Transformers se sufría, se sangraba e incluso se llegaba a morir, tal y como se ve en el ultimo episodio donde Optimus Prime finalmente moría no sin antes llevarse a Megatrón por delante; la primera emisión no tuvo demasiado éxito; sin embargo, una compañía juguetera conocida como Hasbro deseaba sacar una modesta gama de juguetes de los Transformers; sin embargo, la campaña de juguetes triunfo frente a todo pronostico consiguiendo mucho dinero y popularidad en las ventas lo que hizo que las televisiones repusieran la serie en verano del año 1984; a finales de 1984 pondrían en marcha la continuación de la serie, esta vez a manos de la empresa Japonesa Toei se haría cargo de los diseños y de la animación y empezaría donde termino el largometraje original, con la destrucción de Unicron y la aparición de Galvatron como nuevo lider de los Decepticons; el titulo seria Transformers 2024 y mas tarde sacaría el final de la trilogía, Transformers Head Masters donde aparecería un nuevo Decepticon mucho mas mortífero conocido como Scorponok y su contrapartida; el autobot Fortress Maximus, la historia daría un final inesperado para todos; además, demostró a los productores americanos que se podía ser mucho mas creativo y no solamente sacar aviones y coches; la mente de los japoneses creo aparte de vehículos; insectos, monstruos, animales; todo un verdadero zoológico robotico; esto complació a los directivos de Norteamérica que les dieron la papeleta creativa para crear mas series de transformers y así ellos centrarse en lo que les importaba; la producción de merchandising y en la reciente aparición de la serie de comics producida por Marvel gracias a la bendición de Stan “the man” Lee y a los dibujos de Frank Springer, Allan Kupperberg, William Jhonson, Mike Manley y otros muchos que llevaban las aventuras de los robots transformables al papel; mientras tanto, los japoneses al tener carta blanca en el asunto se pusieron manos a la obra y en 1986 sacaron la serie Transformers The God Masterforce; fue un fracaso, ya que ligaban a los transformers a anclajes humanos que tenían la habilidad de convertirse en el núcleo vital de dicho robot; además en esta historia se jugo con la resurrección de Optimus Prime como humano y no como robot lo cual a los fans americanos no les hizo demasiada gracia; la historia era demasiado caótica y siempre tendían a salir personajes sin ton ni son; los decepticons rebautizados en las versiones japonesas como “Destrons” al mando de un nuevo lider conocido como Overlord planean la llegada de un terrorífico dios de los Destrons llamado Black Zarak (Scorponok) y que solo los 5 guerreros sagrados podrían derrotar al malvado dios y salvar el universo (vamos, un argumento mas plano que las tetas de la madre de Shin Chan); a los americanos no les gusto demasiado esta idea, pero aun así decidieron seguir confiando en Toei para la creación de nuevas series, y aun así decidieron utilizar parte del argumento para la resurrección en comic de Optimus Prime con su guardia pretoriana conocida como los cinco guerreros sagrados de los que hablaba la serie (ahora rebautizados Power Masters), incluyendo un cambio de look radical en el caso de Optimus teniendo un aspecto mucho mas grande y amenazador.
Mas tarde y aprendiendo de sus errores, decidieron crear Transformers Victory; donde sacarían a un nuevo lider Autobot, llamado Star Saber que lucha contra el nuevo caudillo de los Destrons conocido como Dezsaras; visualmente mucho mejor que su antecesora, Transformers Victory contaba con una estética mas similar a la serie americana pero sin perder el sabor japonés que dio tan buenos resultados en Transformers 2024 y Headmasters; la historia si llego a arrancar alguna cara de satisfacción en la cara de los directivos estadounidenses, por el contrario, fueron muy estrictos con una cosa, Optimus Prime que también tenia un papel en esta serie debía morir; aunque los japoneses no estaban muy de acuerdo con la idea de matar a Prime por segunda vez; aun así utilizaron su muerte para que de sus cenizas surgiese la ultima esperanza de los Autobots; Victory Leo, que además fusionado con Star Saber surgiría el ser supremo, el ultimo guerrero que salvaría la Galaxia del acoso de los Destrons; la serie fue un éxito e hizo que Bandai sacase una modesta gama de merchandising de dicha serie; la guinda al pastel la pondría la segunda parte de la serie llamada Transformers Zone; sin embargo supuso un grave resbalón para Toei ya que tanto la historia como el diseño resultaban ridículos; una entidad alienígena maligna resucita a nueve antiguos generales de los Destrons (entre ellos a Dezsaras de T-Victory y a Black Zarak y Overlord de T-God Masterforce), lanzando un ataque en el cual muere Star Saber dejando a los Autobots completamente sin lider, entonces aparece un nuevo lider llamado Dai Atlas para proteger a los débiles; el diseño y la historia se salían tanto de la estética, que decidieron cancelar el proyecto, tan solo dejando el capitulo 01 grabado (para los realmente curiosos, el capitulo piloto esta en Youtube en dos trozos de 9 minutos cada uno); tras esto Toei deja de lado la tarea de seguir haciendo mas series de Transformers en pos de otros proyectos de su madre patria; poco después de eso los transformers dejaron de salir en TV, hasta que a mediados de los años 90 la empresa de animación Canadiense Mainframe Entertaiment recibe el encargo de crear Beast Wars Transformers, una historia que seria la precuela de los Transformers originales donde un joven Optimus Primal, lider de los Maximals (Autobots) se enfrenta a un terrorífico Megatrón lider de los Predacons (Decepticons) tal y como lo harán dentro de varios milenios después en el mismo planeta; el diseño por ordenador y la estética de la historia era tal, que fue un bombazo que incluso se llegaron a hacer 2 continuaciones Beast Wars Metal y Beast Wars Return, el simple hecho de que los personajes fuesen hechos en 3D fue un aliciente extra para llamar la atención para los fanáticos de Transformers; mientras, al otro lado del Océano Pacifico, la compañía rival de Toei, Toho decide crear su versión de Beast Wars llamada Beast Wars II, donde en este caso, los Maximals guiados por León Prime que luchan contra los Decepticons de Devil Zarak; la diferencia no era Transformer animal contra Transformer animal, si no que los Maximals se convertían en animales mientras que los Decepticons se convertían en vehículos mecánicos para representar el enfrentamiento Naturaleza vs. Industria; también hicieron una segunda parte de la serie llamada Beast Wars Neo de características similares; la idea de la serie hubiese estado perfecta, de no ser por el estilo infantil que no gusto nada a los japoneses; pero aun así, la compañía norteamericana decidió darle la potestad a Toho con un encargo nuevo; necesitaban conectar con las posibles nuevas generaciones de fans, por lo que necesitaban hacer una remake de la serie original, la serie se llamo “Transformers robots in disguise”, y mas o menos contaban la misma historia que en la serie original de 1984 solo que con algunos cambios en el guión; también la empresa Toho saco dos continuaciones Transformers Armada y Transformers Energon, esta ultima totalmente creada por ordenador; y en el año 2006 Michael Bay y Steven Spielberg sacan a la palestra ante el asombro de todo el mundo (yo el primero) Transformers, la película de imagen real en cine, además coincidiendo con la llegada de una nueva serie producida por los americanos llamada Transformers Cibertron donde se relataría la guerra en Cibertron entre Autobots y Decepticons (un poco como introducción a la película de Michael Bay), al mismo tiempo que para el 2008 Toho prepara otra serie nueva de Transformers EN LA EDAD VICTORIANA, en definitiva, que Transformers tenemos para rato; ha sido una serie que ha evolucionado a lo largo de casi dos décadas; con gran cantidad de merchandising, de comics, de muñecos y mucho mas merchandising; en definidas cuentas una serie de las de culto.
El próximo día hablare de algo de cine de terror, en este caso hablare de Zé do Caixao, el mas siniestro personaje de la mitología popular Brasileña, buenas noches, y buena suerte.
martes, 17 de julio de 2007
EVANGELION
¿Death & Rebirth o Death & Buried?
Corrían principios del año 1999 atrás se había quedado el año 1998 mas sobrio y conservador, la cuenta atrás hacia el siglo XXI había comenzado; y que mejor que empezar el año con una de las películas mas esperadas por la afición Otaku, nada mas ni nada menos que el proyecto mas ambicioso del estudio GAINAX, estamos hablando de Neo Génesis Evangelion o como se diría en japonés Shin Seiki Evangelion.
Antes de seguir, debo aclarar que es Evangelion:
Evangelion fue una serie de TV creada en el año 1995 por el director y guionista Hideki Anno, creador de “Nadia y la Piedra Azul”, y el documental “Otaku no Video”; la historia relataba las aventuras y desventuras de Shinji Ikari, un joven muchacho que se ve embarcado en una lucha contra unas criaturas llamadas “Ángeles” (que a partir de ahora llamaremos Esculturas Surrealistas); la idea era crear una serie que fuese una serie de misterio, y una serie bélica, y una serie de robots gigantes y además una serie esotérica todo junto y mezclado; yo lo afrontaba con buenos ojos la mezcla, para mi seria un homenaje a “Akira” de Katsuhiro Otomo, un cántico a la saga de Ultraman y la respuesta a la antianimación de los Estadounidenses.
Aclarado esto, volvemos al tema:
Eran finales de febrero de 1999, habíamos quedado unas 12 personas en una casa en un pueblecito cercano a Granada, incluso estaban en el grupo dos de los futuros fundadores de la Asociación Kiseki original, habían risas, bebida, patatas, incluso llegamos a pedir una pizza, finalmente se apagan las luces y ponen la película, 3 casi 4 horas después se termina la película, se enciende la luz y yo me quedo consternado… ¿Qué había terminado de ver?; sin duda alguna mientras todos los allí presentes volvían en a Granada, yo volvía en el autobús hacia mi casa pensando para mis adentros: (ahora se como se sintieron los productores de Hollywood cuando vieron “The last movie” del perturbado Dennis Hopper o Mulholand Drive del perturbador David Lynch); por suerte, 9 años después, las noticias, los rumores, las leyendas urbanas, añadido al tema de que uno es un poco mas sabio que el año anterior, ha decidido hacer un análisis de los sucesos que acontecieron y que parece ser que le dieron a Evangelion la corona de “La mejor serie de anime” de una forma un tanto injusta y a la vez justa.
EVANGELION; la serie
Evangelion surgió en pleno 1995 cuando las series de animación sobre robots gigantes estaban muy estancadas en un estilo infantil y muy simplón, un hombre, Hideki Anno con su pelo de punta teñido de color naranja zanahoria sus camisas floreadas y su aspecto de hippie setentero, que consiguió que una serie como “Gunbuster” se terminase sin retrasos y sin pasarse del presupuesto establecido y que encima generase dinero para el estudio, sin duda el hombre indicado para darle una nueva dimensión al estancadísimo genero que Mazinger Z ayudo a alumbrar.
La serie de animación se llamaría Neo Génesis Evangelion, que traducido al castellano seria una cosa así como “El Nuevo Evangelio del Génesis”, y en ella Hideki Anno dijo que incluiría aparte de la típica serie de Robots gigantes destrozando Tokio, también haría una historia bélica, y un drama sobre la angustia vital y existencial y una serie esotérica y filosófica; ¿ante ese cocktail quien era capaz de resistirse?
Y por ahí comenzaron a rodar las cosas, la historia comenzaría con un Tokio reconvertido en una especie de ciudad militarizada después de que un grupo de exploradores despertasen en el Polo Norte a una bestia extraña, poco después de eso un grupo de chicos elegidos, concretamente dos chicas y un chico son captados por una organización semi-militar conocida como NERV para llevar unos robots gigantes llamados EVAS para luchar contra unas entidades alienigenas llamadas Ángeles (aunque, como sigo diciendo podrían haberlas llamado esculturas surrealistas) conforme mas se avanzase en la historia, mas misterios se irían revelando, y mas esotérica se volvería la serie, aunque el “fan” de a pie no pudiera comprender lo que veía en muchos de los casos.
Los dos últimos capítulos serian un viaje a la mente del protagonista Shinji Ikari donde se enfrentaría a sus problemas existenciales pero que a pesar de sus dudas internas, al final lograría ver la luz al final del túnel; este final no fue muy del gusto de los fans y al parecer Hideki Anno se le encendió la bombilla de luz y decidió darle una vuelta de tuerca, publicaría el final en 2 películas de larga duración que se llamarían Death & Rebirth.
EVANGELION; las películas (de cara al espectador)
La primera película llamada Death empezaría con un resumen a grandes rasgos de lo que sucedió en la serie, con un par de nuevas escenas introducidas casi con una grapadora y que además el dibujante no se molesto en hacerle un acabado mas completo.
La segunda parte empieza de una forma brutal, Kreel Lorentz, una de las entidades a la sombra DURANTE TODA LA HISTORIA decide convencer a las Fuerzas de Autodefensa de Japón de que los de NERV, los mismos que gracias a sus robots gigantes que les han salvado el culo durante tanto tiempo, son los verdaderos malos, y claro, un señor con ciberimplantes que se ha escapado de la saga Shadowrun y que inspira menos confianza que una hiena del desierto les va a convencer de que los buenos son realmente los malos; la escena que sigue no es mas que una explosión de violencia que deja a Hellraiser y a Reservoir Dogs en mantillas; básicamente podemos decir que ¾ partes de película son soldados disparando contra gente desarmada, después de esto aparece uno de los EVAS de uno de los protagonistas, cuando de repente aparecen sin venir a cuento un grupo de EVAS, los supuestos EVAS que estaban creando el resto de países menos Japón; un buen diseño si no hubiese venido precedido de un comportamiento en combate similar al de los Masillas de los Power Rangers; esto es así si tenemos en cuenta que estos EVAS pueden regenerar heridas incluso si han sido partidos por la mitad, con la cabeza pulverizada por un pisotón o abiertas en canal con una espada, con esta habilidad intrínseca se pueden permitir ganar por agotamiento, con lo cual tenemos otra escena de matanza en este caso los EVAS creados en USA, Francia, Inglaterra, Rusia y El Zaire convertidos en vulgares aves de rapiña devorando al EVA del único protagonista que ha tenido los cojones de plantar cara a los atacantes; mientras tanto un Shinji Ikari, convertido en una ruina mental y física ve como un personaje que casi era como una hermana mayor para el, muere delante de sus ojos; de hecho para mas ridículo de la escena, no es el piloto el que se mete en el robot si no el robot que coge e introduce al piloto en la cabina con unas manos descomunales; la historia termina con el cuerpo destrozado del EVA y posteriormente el ataque de histeria del protagonista cuando ve lo que queda de ese EVA; la película termina con una pantalla en negro que reza: CONTINUARA
Así pues, la segunda parte Rebirth empieza donde termino Death, pero a partir termina toda semejanza; de pronto la película desemboca en un Trip – Voyage creado por una mezcla de LSD mezclados con barbitúricos; escenas desenfocadas sin duda por los efectos de la Marihuana en los animadores, escenas y mas escenas esotéricas bombardean al espectador como si eso fuese “La montaña Sagrada” de Alejandro Jorodowsky, todo esto coronado por la escena central del pastel, una serie de inconexas imágenes reales grabadas con una cámara de video de 8 mm.; sin duda la imagen desenfocada de un cine con cientos de personas mirando aleladas la pantalla de cine es el momento donde se pone a prueba la paciencia del espectador incluyendo un metraje donde en casi 12 segundos vemos toda la serie con un bombardeo de cientos de imágenes a velocidades inhumanas acompañados por los desgarradores gritos de Megumi Ogata (la voz de Shinji); el punto y final de la historia termina con Shinji Ikari solo en medio de una playa en medio de la nada diciendo: “que sensación mas desagradable”, curioso, idéntica a la que tuve yo cuando volví a ver pocas semanas después la misma película.
EVANGELION; las películas (de cara hacia el estudio)
¡Ojo antes de continuar!:
Dejando claro que Evangelion es considerado como la obra de un genio, solo que en este caso se trataba de un genio – loco también hay que replantearse que se trata de una película muy rara y extraña y hay que entenderlas en el contexto en el que fueron creadas, sin embargo, muchas cosas que leeréis a continuación son retazos de informaciones y leyendas urbanas que he ido extrayendo, así que es muy posible que muchos encontréis esta parte un poco extraña y confusa, no solo por el contexto, si no por los sucesos que fueron aconteciendo; una vez aclarado esto, continuemos con la historia.
Lo que si pudieron ver mucha gente en el estudio que aquello se convirtió en un constante ir y venir de gente, se veía a un Hideki Anno totalmente colocado y rodeado completamente rodeado de “gruppies” jovencitas que iban a visitarle y que no le dejaban trabajar tranquilo, un Sadamoto también ligeramente afectado por la cantidad de marihuana en el organismo que no le dejaba dibujar correctamente, (si no fijaos en el diseño de los EVAS de la serie a los de las películas, notareis que los de la película son ligeramente mas deformes con las cabezas un poco mas desproporcionadas y los brazos mas largos), el estudio era un constante ir y venir de gente, incluso le intentaron convencer de que tenia que hacer reformas en el estudio; los productores, se acercaban cada x tiempo a ver lo que hacia Anno con su película, cuando hacían el visionado, se daban cuenta que se hacia 10 minutos mas larga, y cada vez que volvía a ver otro montaje duraba se alargaba otros diez minutos; crecía y crecía como un tumor maligno; el montaje final que llego a ser de 7 horas al final se tuvo que reducir a dos y media; en el pase final con los productores, cuando vieron el producto final se quedaron aterrados, incluso uno de los mas veteranos llegaron a abandonar la sala de proyecciones antes de que terminase el pase, al final no tuvieron mas remedio que enfrentarse a lo que se avecinaba, apretar los cojones y sacar la película en el tiempo prometido, efectivamente la película salio en todos los cines de Japón y cosecho grandes éxitos, sin embargo muchos críticos la calificaron de “penosa” y también los productores estaban muy enfadados con Hideki ya que se esperaban una película de acción del estilo de Mazinkaiser o de la película del estilo de El Viaje de Chihiro; pero no fue así y por eso le exigieron que volviese a hacer una película de unos tintes menos esotéricos, sin embargo Hideki saco varias versiones de la misma película con mas metraje eliminado; en el resto del mundo la película se empezó a exhibir en proyecciones en Salones del Comic y eventos de índole similar, sin embargo, muchos aficionados y profanos quedaron totalmente aturdidos ante semejante shock – film, fue el momento cuando a GAINAX se la etiqueto con la etiqueta de frikis y raros dentro del mundo de la Animación Japonesa.
CONCLUSIONES:
Yoshiyuki Sadamoto: dibujante y diseñador saco al mercado una colección de comics de Evangelion donde daba su visión de la serie, prácticamente nula en esoterismos religiosos y aunque manteniendo los dilemas morales internos del protagonista fue un comic mucho más fácil de digerir para los aficionados.
Hideki Anno: Director y guionista después del resbalón que supusieron para su carrera este viaje por el extraño mundo de las drogas y el esoterismo sin un guía fuerte y sabio como Alejandro Jorodowsky, decidió aparcarse en producciones mas sencillas; entre ellas la exitosa Kare Kano, la miniserie seudo pornográfica Ebichu y la comedia absurda FLCL; por fin parece que tras ser privado de su menú farmacológico, que recreara la serie por completo en 4 películas llamadas “The Rebuild of Evangelion” (titulo conciliador donde los haya) donde se contara una nueva versión de la historia y otro final distinto, para confundir aun mas a los espectadores y consumidores.
Mi alegato final:
Aunque Evangelion hubiese sido una gran serie (que lo era ya que actualmente muchas nuevas series piensan arrebatarle la corona al antiguo campeón), no hay que negar que fue concebida en la mas extraña de las circunstancias, y que los finales y todo el batido esotérico – filosófico – existencial llegaba a ser extraño e incluso dejaba la serie bastante confusa; y por mucho que lo quieran arreglar con el Evangelion Rebuild, será intentar dar un paso hacia atrás y hacer una chapuza; yo creo que GAINAX debería dejar el pasado en el pasado y continuar hacia delante, y no seguir intentado deshacer entuertos y dejarlos mucho peor que antes. La semana que viene hablare de Transformers debido al reciente estreno de su película; buenas noches, y buena suerte.
lunes, 16 de julio de 2007
A modo de presentación
Hola a todos, me llamo Hermes Cruz, aunque muchos seguramente me conoceis como Thirkanis en distintos foros y paginas Web; he decidido abrir este blog a modo de opinion; ¿de que voy a hablar en este Blog?
Vamos a comentar cosas que le gusten a la gente, Rol, Comics, Manga, Videojuegos, Anime, Peliculas de culto y cualquier cosa que me querais comentar o que si algun dia quereis que hable de algo en concreto, podeis decirlo; pero para empezar a abrir boca, el proximo Miercoles comenzare posteando un tema que llevaba algun tiempo detras de la oreja y que me apetece hablar de el; reza asi:
Evangelion
¿Muerte y Resureccion o Muerto y Enterrado?
Nos vemos
Vamos a comentar cosas que le gusten a la gente, Rol, Comics, Manga, Videojuegos, Anime, Peliculas de culto y cualquier cosa que me querais comentar o que si algun dia quereis que hable de algo en concreto, podeis decirlo; pero para empezar a abrir boca, el proximo Miercoles comenzare posteando un tema que llevaba algun tiempo detras de la oreja y que me apetece hablar de el; reza asi:
Evangelion
¿Muerte y Resureccion o Muerto y Enterrado?
Nos vemos
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